LA MAGIA DE LA MÚSICA Y LAS LETRAS

LA CAMPANA DE CRISTAL: SYLVIA PLATH

2010-04-04T09:37:00.000-07:00

Este libro fue publicado bajo seudónimo tras la muerte de su autora y relata la crisis nerviosa sufrida por la joven estudiante Esther Greenwood, alter ego de la propia Sylvia, así como el tratamiento psiquiátrico que recibió como consecuencia de la misma.

Entrelazándose con esta historia, la protagonista nos cuenta sus experiencias como brillante estudiante universitaria, así como sus relaciones algo frustrantes con las demás estudiantes y sobre todo con los hombres.

La joven Esther se debate ante la duda de qué camino tomar en la vida. Seguir su dura carrera de estudiante, en un esfuerzo constante por ser la primera; ser una modesta profesional como su madre, profesora de taquigrafía; o buscar un marido y fundar una familia. También el tema de las relaciones sexuales preocupa a la protagonista: en una sociedad donde se aboga porque la mujer conserve su pureza hasta el matrimonio, Esther se sabe con derecho a vivir su sexualidad con la misma libertad que los hombres, aunque la idea de un posible embarazo le aterra.

Por esto hay quien defiende que esta obra es un postulado feminista. Aunque pasados los años esa carga se ha perdido y la novela simplemente nos acerca la vida de una mujer joven, inteligente e inconformista que en medio de sus tribulaciones, propias de una mujer joven, sufre la crisis nerviosa que acabará por conducirla a un manicomio, después de un intento de suicidio.

El libro recibe su nombre, “La campana de cristal”, de las últimas páginas del libro en las que la protagonista, ya en proceso de curación de su crisis, explica que las personas con problemas nerviosos se encuentran aisladas del mundo por una campana de cristal, de modo que sólo pueden respirar su propio aire viciado. Aun cuando se curen, esa campana pende siempre sobre sus cabezas, amenazándoles con descender nuevamente sobre sus vidas.

Fuente: http://www.solodelibros.es

ESCUCHA MI VOZ: SUSANNA TAMARO

2010-03-20T16:06:00.000-07:00

Marta, la joven rebelde de Donde el corazón te lleve, regresa a la casa de Trieste donde creció junto a su abuela. Un día, desorientada y sola, sube al desván, donde encuentra las huellas de las dos personas más importantes de su vida: su padre y su madre. Entre baúles, cartas y cuadernos amarillentos recompone las piezas de un mosaico generacional y emprende un viaje hacia los orígenes de su fragilidad.

Durante su búsqueda, Marta rescatará la historia de sus seres queridos, pero también descubrirá las raíces más profundas de su inquietud. Conseguirá entonces reconciliarse con los secretos y los fantasmas que la acechan desde el pasado, y, por encima de todo, logrará encontrarse a sí misma, en un despertar a la esperanza.

Escucha mi voz retoma los personajes de Donde el corazón te lleve, la novela que ha entusiasmado a trece millones de lectores en todo el mundo. Susanna Tamaro encanta, conmueve y hace pensar gracias a una sensibilidad e intensidad expresiva que la hacen única. El regreso de Tamaro a la novela de largo aliento nos descubre la necesidad de encontrarle sentido a la vida como motor de nuestro futuro.

LA MUERTE DEL QUINTO SOL: ROBERT SOMERLOTT

2010-03-20T15:59:00.000-07:00

Un emperador azteca todopoderoso, un conquistador español inplacable, inquisidores fanáticos, capitanes sedientos de oro y sangre, vistos por los ojos de una mujer india condenada a amar y odiar simultáneamente a las dos razas que la oprimían. Se cuenta en este libro la historia de Malinche, la amante india de Hernán Cortés.

LAS FANTÁSTICAS: Las Mujeres de El Cartel ANDRÉS LÓPEZ LÓPEZ Y JUAN CAMILO FERRAND

2010-03-19T11:46:00.000-07:00

De los creadores de El cartel de los sapos viene la historia del narcotráfico contada a través de las esposas y compañeras de los grandes capos colombianos. Son seis relatos escalofriantes de las vidas detrás de escena de las mujeres de los narcos en Colombia e historias reales de las mismas; aunque los nombres se ocultan tras seudónimos, se puede reconocer en la vida real a las protagonistas. '

Las fantásticas son mujeres bellas que aparentan ser inocentes. Sin embargo, una vez que logran conquistar a un mafioso, comienzan una carrera contra el reloj que las consume para poder mantener su sitio de poder, cueste lo que cueste. El libro está basado en la telenovela 'Las muñecas de la mafia'.

La Condenación del Fausto (With the Staatskapelle Berlin and the Tölzer Knabenchor Soloist:Ludwig Mittelhammer Der Tölzer Knabenchor)

2010-03-19T11:38:00.001-07:00

LA ÓPERA FRANCESA, ETAPAS Y ESTILOS: HÉCTOR BERLIOZ

2010-03-19T11:35:00.000-07:00

Fue el archí-romántico, hizo tantos enemigos como amigos, mal entendido en su propio país pero bienvenido como director de su música y la música de otros en Rusia, Inglaterra, Alemania y Austria. Fue un idealista con una imaginación enorme – su música tiene un sonido distintivo con sus ritmos y oscilaciones. ¡Hay mucho música de metales! Escribió varias óperas. Su imagen pintoresca ocultó su originalidad y genio -sólo recientemente bajo la propugnación de Sir Colin Davies ha sido reconocido y celebrado-.

Nació en la Côte-Saint-André el 11 de diciembre de 1803. Comenzó a estudiar medicina en París según el deseo de su padre, médico de provincia. Abandonó esta especialidad para estudiar música en el conservatorio de la capital francesa bajo la tutela del compositor francés Jean François Le Sueur y del compositor checo Anton Reicha.

En 1830 ganó el Premio de Roma con su cantata Sardanapale. Trabajó como bibliotecario del Conservatorio de París desde 1838 e hizo varias giras por Europa y Gran Bretaña como director de orquesta entre 1842 y 1854. En Alemania Robert Schumann trató, mediante un estudio crítico de la obra de Berlioz, que el público lo acogiera.

Entre 1835 y 1863 escribió críticas musicales para el periódico Journal des Débats. Su figura fue muy influyente durante todo el periodo romántico en distintos aspectos: la forma sinfónica, el uso de la orquesta y las nuevas estéticas musicales. Para muchos, Berlioz ejemplifica la imagen del compositor romántico como artista. Trabajó sin descanso para divulgar la música de su tiempo. Al verse obligado a enseñar a distintos grupos orquestales la técnica que requería el nuevo estilo, fue maestro de toda una generación de músicos, y se convirtió en el primer director de orquesta virtuoso.

Con la Sinfonía fantástica opus 14 (1830) produjo una revolución estética por el uso integral de un programa literario (inspirado en la actriz irlandesa Harriet Smithson con la que contrajo matrimonio), y estableció el uso de la música programática como el género dominante en las obras orquestales románticas. En esta obra, así como en Harold in Italy (1834, inspirado en el poema Childe Harold de Lord Byron), para viola y orquesta, el uso de la transformación de un tema constante .

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Ópera Pelléas et Mélisande: Claude Debussy

2010-03-17T11:26:00.000-07:00

ÓPERA FRANCESA, ESTILO, EVOLUCIÓN Y ETAPAS: CLAUDE DEBUSSY

2010-03-17T11:20:00.000-07:00

Debussy nos lleva a la época moderna. Como Beethoven, solo escribió una opera Pelléas et Mélisande. La escribió en 1902, es distintivo, tiene algo de la virtuosidad de Wagner pero también una fluidez suave y es inconfundiblemente francés en estilo. El 'New Grove’ diccionario de música dice que ‘él trajo un nuevo tono a la ópera, algo irrepetible’. Nació en Saint-Germain-en-Laye el 22 de agosto de 1862 y se formó en el Conservatorio de París, donde comenzó a estudiar a los diez años. En 1879 viajó a Florencia, Venecia, Viena y Moscú como músico privado de Nadejda von Meck, mecenas del compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovski.
Durante su estancia en Rusia conoció la música de compositores como Alexandr Borodín, Mili Balakirev y Modest Músorgski, así como el folclore ruso y gitano. Debussy ganó en 1884 el codiciado Grand Prix de Roma por su cantata El hijo pródigo. De acuerdo con los requisitos del premio, estudió en Roma donde se instaló en la villa Médici durante dos años y presentó de modo regular, aunque sin demasiada fortuna, nuevas composiciones al comité del Grand Prix. Entre estas obras se encuentran la suite sinfónica Printemps, La señorita elegida, y una cantata, basada en el poema 'La doncella bienaventurada' del escritor británico Dante Gabriel Rossetti.

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Six minutes de musique baroque (piano solo)

2010-03-15T16:13:00.001-07:00

LA ÓPERA FRANCESA, ETAPAS Y ESTILOS

2010-03-15T16:11:00.000-07:00

Principales Protagonistas de la
Revolución Estilística en Francia

Jean-Philippe Rameau (1683-1764)
Fue un personaje mucho mas importante, un innovador en la armonía y la orquestación además de un profesor respetado y músico de clavicémbalo. Empezó componer sus 20 óperas con 50 años y aunque entonces fueron poco apreciadas, recientemente ha habido un renovado interés en su música, con varios grabaciones en el catálogo. Nació en Dijon, donde su padre trabajaba como organista de la catedral. Se dice que a los 7 años podía leer cualquier pieza de música para clave. Viajó a Italia a los 18 años; a su vuelta a Francia trabajó como organista en diferentes ciudades, sobre todo en Clermont-Ferrand, donde permaneció hasta 1722, año en que escribió su Tratado de armonía, la obra que constituye la primera gran síntesis de la armonía.
Por primera vez aparece la idea de la inversión de los acordes (mi-sol-do y sol-do-mi son el mismo acorde que do-mi-sol y así sucesivamente). En 1723 se trasladó a París para enseñar clavicémbalo y teoría musical. Fue el maestro de clave más reconocido y se convirtió, además, en organista en el noviciado de los jesuitas y en la iglesia de Sainte Croix de la Bretonnerie. Sus primeras composiciones incluyen piezas de teatro, música sacra y música para clavicémbalo. En 1731 fue nombrado director de la orquesta privada de un rico financiero y mecenas musical, Jean Jacques de la Pouplinière, lo que le permitió dedicarse a la ópera. Entre las 30 óperas de Rameau se encuentran obras maestras del teatro lírico francés como las tragedias Hipólito y Aricia (1733), Cástor y Pólux (1737), Dárdano (versiones de 1739 y 1744) y Zoroastro (1749), las óperas-ballets Las Indias galantes (1735), Las fiestas de Hebé (1739) y La princesa de Navarra (1745), así como la comedia Platea (1745). Tanto su orquestación como su forma de utilizar la armonía para conseguir efectos dramáticos son intensas e innovadoras. Rameau se vio involucrado en diferentes polémicas cuando su música fue atacada primero por entusiastas de Jean Baptiste Lully, que pensaban que su obra moderna traicionaba el legado de este compositor, y más tarde en la década de 1750 por los modernistas como Jean-Jacques Rousseau, que defendían la ópera italiana de Gian Battista Pergolesi.Sus Piezas de clave en forma de concierto (1741) para dos violines y clavicémbalo se encuentran entre las primeras obras que confieren al teclado un papel solista en lugar de limitarlo al acompañamiento.Los libros teóricos de Rameau, que él consideraba su producción más importante, sistematizan las prácticas armónicas de los 100 años anteriores a él y los conceptos teóricos codificados que han seguido siendo básicos para la armonía europea hasta 1900. Todo ello le ha valido el sobrenombre de el Descartes de la música. Rameau falleció el 12 de septiembre de 1764 en París.

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Salvatore Bellia - O Paradiso - L'africana - Meyerbeer

2010-03-13T07:19:00.001-08:00

TERCERA ETAPA DE LA EVOLUCIÓN DE LA ÓPERA FRANCESA

2010-03-13T07:14:00.000-08:00

Tercera etapa:

La llegada al reino de Luis XVI (1774-1793)

Nieto de Luis XV, que se casa con María Antonieta, hija de María Theresa, Emperatríz de Austria. Este período comprende el gobierno, la caída y ejecución de los reyes y llega hasta la Revolución y los albores del Clasicismo Musical. Estuvo esta etapa a merced de la evolución cultural y de las corrientes literarias, filosóficas y políticas del momento. Musicalmente es más pobre que las anteriores. A pesar de los antibufonistas, fueron muchos los compositores franceses que continuaron la tradición cómica, entre ellos el enciclopedista Jean Jacques Rousseau, y así nació la Opéra Comique, como resultado de la presión ejercida por el medio de la Comédie Française que no permitía a otros, la puesta en escena de dramas hablados y la Académie Royale de Musique, que monopolizaba la presentación de trabajos cantados de principio a fin. Los principales cultores de la Opéra Comique, fueron:

Egidio Romoaldo Duni (1709-1775)

Compositor de origen napolitano establecido en Francia a partir de 1757. Su primera ópera fue presentada en Roma en 1735. Es autor de las óperas y comedias líricas Nerone, Le Caprice amoureux, La Clochette, Le Peintre amoureux de son modèle, y otras.

Pierre-Alexandre Monsigny (1729-1817)

Uno de los más destacados autores del género operístico; luego de perder su fortuna por la Revolución, la Opera Comique le concedió una pensión.François Joseph Gossec (1734-1829), francés de origen belga; es autor de varias óperas con libretos del poeta dramático Michelle Jean Sedaine (1719-1797) es más estimado como compositor de música orquestal, instrumental y coral. Se le considera como el Iniciador del Sinfonismo Francés; compuso más de trescientas Sinfonías, la primera en 1754. En 1795 fue llamado a formar parte de la plantilla de profesores del Conservatorio junto a Cherubini, Lesueur y Méhul.

Es autor de una docena de cuartetos de cuerda, trío y muchas otras obras. Además, dio interesantes aportes a la moderna pedagogía pianística.

André-Ernest Grétry (1742-1813)

Nacido en Lieja, es considerado el teórico del grupo, publicó en 1795 sus tres volúmenes de Mémoires ou Essais sur la Musique. Precursor temprano del Leitmotiv; es autor de las óperas Le Huron (1768), La Tableau Parlant (1769), Les Deux Avares (1770), Richard Coeur de Lion, Raoul Barbe-Bleue y otras, que le dan un sitial de honor en la historia de la ópera cómica, y en las cuales logra infundir la vivacidad natural y el sesgo característico de la ópera bufa italiana, por lo cual se le conoció como El Pergolesi francés. Por estos años, y en el arte violinístico, se destacan en Francia los virtuosos y compositores Jean-Marie Leclair (1697-1764) nacido en París; autor, de las óperas, Scylla et Glaucus y Le Danger des épreuves, varios ballets y entre otras obras, cuatro libros de Sonatas para violín solo y bajo continuo, compuestas entre 1732-1738; y Pierre Gaviniés (1728-1800), nacido en Burdeos. Se desempeñó como Director del Concert Spirituel desde 1773 a 1777. Autor de la ópera Le Prétendu; fue uno de los más famosos violinistas de Francia en esta última parte del siglo XVIII, ocupando la cátedra de violín en el Conservatorio de París desde su fundación en 1794. Compuso también, conciertos y sonatas para violín y violonchelo; para violín y piano y Estudios para violín. Además de Les vingt-quatre matinées; y piezas para violín, entre ellas Romance.

Evolución estilística de la Opera Francesa

La música y Europa – como hemos visto – es una unidad, con compositores y músicos de varios naciones sacando provecho de sus experiencias culturales en las grandes capitales artísticas como Venecia, Paris, Viena y Londres. Así que una descripción de la ópera puramente nacional seria insuficiente. Por ejemplo, Giacomo Meyerbeer, nacido en Berlín en 1791, vivió la mayor parte de su vida en Paris, donde sus espectáculos operísticos fueron presentados por prima vez, y está considerado como un compositor Francés. También, Jean-Baptiste Lully (1632-1687), aunque nacido en Florencia, vivió en Francia desde los 14 años – obtuvo la nacionalidad Francesa en 1661. Escribió 20 ballets y óperas y sacó la ópera Francesa de sus raíces aristócratas y la convertió en una forma de arte popular.

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Stabat Mater - Pergolesi

2010-03-09T07:32:00.000-08:00

SEGUNDA ETAPA: REINADO DE LUIS XV Y SUS PRINCIPALES REPRESENTANTES

2010-03-09T07:29:00.000-08:00

Luis XV

Bisnieto del anterior, está precedido por la Regencia de su padre, el príncipe Felipe III de Orleáns, y termina con los últimos años de reinado de Luis XV. Etapa de guerras y conflictos sociales, políticos y espirituales que tratan de ser maquillados con una especie de decoración externa; se le conoce también, como Rococó. Desde el año 1752 en cuanto a la Opera francesa, se produce un Enfrentamiento de Tendencias en el gusto por la ópera. Los que seguían la corriente del italiano Pergolesi

Giovanni Battista Pergolesi

(1710-1736)

Nació en Iesi, cerca de Ancona, y estudió en el Conservatorio de Nápoles. Su primera obra importante fue el oratorio La conversión de san Guillermo de Aquitania (1731). Dos años después compuso La serva padrona, ópera cómica considerada hoy como su obra maestra y que se convirtió en modelo de ópera cómica breve. En 1734 Pergolesi fue nombrado director del coro de la iglesia del Loreto, pero enfermó de tuberculosis y tuvo que retirarse a Pozzuoli. Entre las obras de sus dos últimos años cabe destacar un Stabat Mater (1736), considerada su mejor obra para coro y orquesta. Compuso asimismo gran cantidad de música religiosa, un concierto para violín y música de cámara. Las melodías de Pergolesi, bellas y de un claro fraseo, contribuyeron a crear el estilo preclásico. Tras su muerte a los 26 años, su música se hizo tan popular que los editores acabaron atribuyéndole muchas obras de otros compositores. En 1919 Ígor Stravinski basó su ballet Pulcinella (París, 1920) en la obra de Pergolesi.

Decíamos a favor de Pergolessi o los que seguían la corriente de los Bufonistas, género italiano que prefería los argumentos cómicos, humorísticos y satíricos; y por otra parte, los que adversaban esta tendencia, llamados los Antibufonistas (defensores del Absolutismo real) estos consiguieron en 1754, la expulsión de la compañía lírica italiana de Francia. En esta etapa, se inicia la sustitución del formalismo por la Sensibilité, que crea su propia e intrincada etiqueta; se caracteriza por una música cargada de adornos que ahogan la melodía, las cuales se repiten y el uso de temas diminutos con acordes muy pobres.

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Lully - Persée, Act II, Scene 6 (Persée descubre que Andromède lo ama)

2010-03-09T07:16:00.000-08:00

ÓPERA FRANCESA, ESTILO, EVOLUCIÓN Y ETAPAS HISTÓRICAS: DE LULLY A DEBUSSY (PRIMERA ETAPA)

2010-03-09T07:11:00.000-08:00

En La Opera Barroca Francesa se pueden evidenciar tres etapas claramente diferentes:

La ópera barroca fue un espectáculo diseñado para atraer tanto a la vista como al oido. Se difundió por toda Europa pero su trayectoria triunfal fue seguida por dos siglos de abandono, tiempo durante el cual fue denigrada por pasada de moda sin la menor esperanza, falta de dramatismo, pomposa y vacía. El auge de la musicología a fines del siglo XIX trajo consigo la exhumación de una obra tras otra y pasado el recodo del siglo la escuela neobarroca, en reacción contra el drama musical wagneriano, sacó provecho de ello. El nombre de Monteverdi resonó una vez más después de muchos años; tras la primera gran guerra, las obras de Haendel volvieron a la escena por vez primera en Göttingen.

Había mucho que resucitar, aparentemente como vía de escape de la emotividad del romanticismo tardío, pero un exponente del docorativo estilo vocal barroco, en verdad la estrella de la ópera barroca, había desaparecido sin remedio: el castrato, el varón mutilado que fue la creación extravagante y víctima del bel canto. La ópera francesa recibió su forma y su consistencia de Jean Baptiste Lully (1632-1687), natural de Florencia. Aunó sus esfuerzos con Molière en la aspiración a combinar la comedia, la música y la danza. La más importante comedia-ballet realizada junto con Molière fue Le bourgeois gentilhomme (1670), que se ha hecho famosa por el tratamiento que Richard Strauss dio al mismo argumento. La tragedia-ballet de Lully dio origen a la tragédia lírica, una forma característica en la historia operística francesa, vehículo de expresión del sentimiento lírico en un estilo invariablemente elevado, ya fuese con recitativos o con música detalladamente compuesta; contrasta con la ópera cómica, en la que el diálogo se interpola entre los números musicales y se tratan temas realistas, pese a que la acción no es necesariamente cómica.Las formas estilísticas de Lully fueron la base para la música escénica del compositor y teórico Jean-Philippe Rameau (1683-1767); sus argumentos los tomó de la antigüedad heroica, alternando montajes escénicos de marcados contrastes. El ballet era la pieza clave del espectáculo e hicieron su aparición los temas exóticos, como Les Indes galantes (1735). A la música se le encomendaba un efecto ilustrativo, imitando a la naturaleza, en línea con los dogmas del racionalismo. La obertura, que Lully había generalizado, se convirtió en una introducción musical, consistente en un inicio lento, de profundo sentimiento, y una sección principal rápida, a menudo fugada. El uso por parte de Rameau de los tableaux, el efecto pictórico de los decorados, que cambiaban bruscamente en los entreactos, influyeron más tarde en las óperas reformistas de Gluck. La redacción del texto poético fue particularmente valorada por los buenos racionalistas franceses de la ópera de París - y durante mucho tiempo la ópera sólo se representó en la capital-.

PRIMERA ETAPA

Constituye el llamado Le Grand Siecle; poseedora de un estilo más decorativo, aristocrático y solemne que coincide con el advenimiento y reinado de Luis XIV El Rey Sol (1643-1715), hijo de Luis XIII y Ana de Austria, y se caracteriza por el formalismo y majestuosidad. En esta etapa la figura musical predominante es, J. B. Lully y se caracteriza por la llegada de la ópera a Francia y el auge de la Comedia-Ballet y la Opera-Ballet. Lully también, escribió sus primeras marchas militares, ceremoniales y obras para banda, utilizando pífanos, oboes, trompetas e introdujo una suerte de flauta transversal pero aún muy imperfecta. Años más tarde, el rey encarga de la Grande Écurie, -nombre que se le daba a la Banda Real-, al compositor y ejecutante del oboe André Philidor (c.1647-1730) quien recibe la tarea de revisar y confeccionar un nuevo repertorio musical ceremonial; como resultado de este trabajo, aún se conservan en la Biblioteca de Versalles más de 300 suites escritas para trompetas, cornos de caza y oboes.Luis XIV ordena , la creación de Les Grands Hautbois, un ensamble de vientos integrado por doce músicos ejecutantes de oboes soprano, alto y tenor; dos fagotes; dos cornetas y una especie de castañuelas (bones); promovió así mismo, otra Banda Montada llamada Les Trompes du Roi, agrupación, integrada por cornos de caza y timbales, que aún existe como símbolo de tradición; viste uniformes de la época y suele presentarse en ocasiones muy solemnes.

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BAJO EL SOL DE KENIA (BARBARA WOOD)

2010-03-08T15:48:00.000-08:00

En 1918 lord Valentine Treverton, como otros muchos colonos ricos, comienza a edificar un imperio cafetero en Kenia; para lograrlo, deberá pasar por encima de los derechos y de las tradiciones de los nativos. Y por ello, Treverton, arrogante y despectivo, sufrirá la maldición de Wachera, guardiana de una ancestral sabiduría. A partir de entonces, las vidas de los Treverton y de la familia de Wachera se verán ligadas en un torbellino de odios y amores sobre los que aletea la vieja maldición.

DONDE EL CORAZÓN TE LLEVE: SUSANNA TAMARO

2010-03-08T15:36:00.000-08:00

Viendo inminente el final de su vida, Olga decide escribir a su nieta una larga carta para dejar constancia de lo que ninguna de las dos ha sabido ni decir ni escuchar. Cuando la nieta regrese, sólo encontrará la relación de los pensamientos, sentimientos, delicadeza y esperanza, soledad y amargura que la vida ha ido tejiendo. Por la carta, se sabrá cuál fue la historia de la familia, las peleas con la hija muerta, los desencuentros y las heridas que nunca cicatrizaron.

Con esta obra intimista y epistolar, Susanna Tamaro conquistó a trece millones de lectores en todo el mundo. Con gran sensibilidad revela la riqueza de los sentimientos que permanecen ocultos. Diálogo que enseña a conocer mejor la naturaleza de nuestras relaciones, Donde el corazón te lleve es una obra narrativa exquisita: dulce remembranza de una voz que se deja llevar por los tímidos dictados del corazón.

LA SOMBRA DEL VIENTO: CARLOS RUIZ ZAFÓN

2010-03-08T15:31:00.000-08:00

Un amanecer de 1945, un muchacho es conducido por su padre a un misterioso lugar oculto en el corazón de la ciudad vieja: el Cementerio de los Libros Olvidados. Allí, Daniel Sempere encuentra un libro maldito que cambiará el rumbo de su vida y le arrastrará a un laberinto de intrigas y secretos enterrados en el alma oscura de la ciudad.

La Sombra del Viento es un misterio literario ambientado en la Barcelona de la primera mitad del siglo XX, desde los últimos esplendores del Modernismo hasta las tinieblas de la posguerra. La Sombra del Viento mezcla técnicas de relato de intriga, de novela histórica y de comedia de costumbres, pero es, sobre todo, una tragedia histórica de amor cuyo eco se proyecta a través del tiempo. Con gran fuerza narrativa, el autor entrelaza tramas y enigmas a modo de muñecas rusas en un inolvidable relato sobre los secretos del corazón y el embrujo de los libros, manteniendo la intriga hasta la última página.

UNA NUEVA TIERRA: ECKHART TOLLE

2010-03-07T08:55:00.000-08:00

Este libro maravilloso Una nueva tierra: un despertar al propósito de tu vida de Eckhart Tolle es altamente recomendable. Es el mismo autor de El poder del ahora.

Plantea en forma precisa y con ejemplos muy sencillos cómo es que opera el ego humano: generador de toda la angustia y el malestar que nos separa de la verdadera felicidad centrada en el Ser.

ECKHART TOLLE EN ENTREVISTA CON OPRAH WINFREY

2010-03-07T08:47:00.000-08:00

Este artículo resume el contenido de una serie de vídeos creados en colaboración por Oprah Winfrey y Eckhart Tolle, disponibles a todo el mundo a través de youtube. Oprah es la mujer de mayor éxito de la televisión norteamericana. Un verdadero mito entre sus compatriotas, lleva mas de 20 años al frente de su propio programa diario, “The Oprah Winfrey Show” y es además productora, locutora de radio, editora de revista y actriz -“El Color Púrpura”, entre otros-. Eckhart Tolle nació como Ulrich Tolle en Alemania.

Vivió con su padre en España desde los 13 años (en 1961) hasta que se trasladó a Inglaterra a los 20 años. Estudió en las Universidades de Londres y Cambridge. A los 29 años, Tolle experimentó lo que él considera una transformación espiritual que marcó el principio de su labor como consejero y maestro espiritual. Desde 1996 Tolle vive en Vancouver, British Columbia, Canada. El afirma haber experimentado un despertar espiritual a los 29 años, después de padecer largos periodos de depresión. Su ensayo El Poder del Ahora enfatiza la importancia de ser consciente del momento presente para no perderse en los pensamientos. En su opinión, el presente es la puerta de acceso a una elevada sensación de paz. Afirma que “Ser Ahora” conlleva una CONCIENCIA que está más allá de la mente, una conciencia que ayuda a trascender el “cuerpo-dolor” que es creado por la identificación con la mente y el ego. Su último libro UNA NUEVA TIERRA, explora la estructura del ego humano y como éste actúa para distraer a la gente de su experiencia presente en el mundo. A continuación presentamos un resumen de la información contenida en los 4 primeros vídeos de la magnífica colección de las lecciones del libro “Una Nueva Tierra”. El modo escogido para presentar las lecciones se atiene al formato de entrevista informal entre Oprah y Tolle y a la participación colectiva mediante preguntas formuladas por el público presente en diferentes puntos.

EL DESPERTAR AL PROPÓSITO DE SU VIDA…

En la página 7 del libro, Tolle escribe que el libro tendrá sentido o no dependiendo si las personas experimentan un cambio como respuesta a lo que leen.

Oprah: ¿De donde viene el libro?

Tolle: Viene de un lugar de Paz, de conectar con la tranquilidad interior.

Oprah: ¿Cómo se logra saber cual es el propósito de la vida?

Tolle: Nos equivocamos cuando decimos y pensamos qué es lo que queremos de la vida. La actitud correcta debe ser preguntarse qué es lo que la vida quiere de mi. Para encontrar verdaderamente el propósito personal hay que entender la vida cono una TOTALIDAD y dentro de esa totalidad preguntarle a la vida dónde encajas y cuál es tu propósito, tu lugar. Puede que las respuestas no lleguen inmediatamente. Yo le preguntaba a la vida sobre cuál era mi propósito y la respuesta no llegó hasta que transcurrió bastante tiempo.

Oprah: ¿Qué es Dios para ti?

Tolle: CONCIENCIA

Tolle aclara que el libro es uno inspirado no canalizado. E insiste en la idea de que hay que pedirle a la vida que te diga cuál es tu propósito. Para ello quizá debas ir a un lugar donde las respuestas se encuentran de manera potenciadal. A él le hizo dejar Inglaterra e ir a Vancouver. Un día se levantó y oyó como una voz le decía que para encontrar su propósito debía de ir a Vancouver y se fue. Explica de que a pesar de que Inglaterra le gusta mucho, el campo energético no era el adecuado.

EL PODER DE LAS FLORES

Oprah: Hay algo al principio del libro que me dejó muy conmocionada. Trata sobre lo que dices acerca del poder de las flores.

Tolle: Sí, las flores representan la calma. La flor en concreto es un punto maravilloso para acceder a la calma interior. Las flores son mas fugaces, etéreas, menos densas y por tanto mensajeras de otras dimensiones. Cuando contemplas una flor, sin interferencia de la parte pensante, ves de verdad. JESÚS, dijo: “Mirad los lirios del campo. ¿Por qué estáis tan ansiosos, estas flores no lo están” Hay tanta belleza en las flores…Tú también puedes vivir así". JESÚS, indica que se debe mirar a las flores para poder conectar con esa dimensión dentro de uno mismo.

Oprah: Yo vivo rodeada de un maravilloso jardín. Un día decidí ver las flores pero con los ojos y mente de un bebé. Salí a pasear sin poner nombre a las flores o los árboles. Sin saber que estaba delante de un roble. Sin rotular las cosas solo sintiéndolas. Sin nombrar las cosas de la naturaleza y sentí una majestuosidad, una fuerza que no había sentido antes.

Tolle: Estar presente en esa percepción a través de las cosas es la clave. No poner etiquetas a nadie. Si uno es ingeniero, o camarero u hombre o indio o venezolano…NO etiquetar. Eso es difícil pero la naturaleza es un buen punto para empezar a hacer esto. Percibir la flor en lugar de verla. Y todo se vuelve VIBRANTE, BRILLANTE, CON TANTA ENERGÍA… Es algo que experimentas de nuevo por primera vez en la vida, cuando eres capaz de sentir esa percepción de las cosas hermosas sin rotularlas. A medida que cumplimos años el recuerdo empieza a colapsarnos y todo se vuelve mas vacío y mas muerto.

Oprah: ¿Por qué es esto?

Tolle: Porque funcionamos a base de abstracciones mentales. Todos los conceptos y pensamientos son abstracciones que no tienen vida. Entonces no consigues ver lo que hay fuera porque están tan absorto en tus pensamientos, estás perdido en tus pensamientos. Es esa voz en la cabeza que te habla todo el tiempo.

Oprah: Si vamos a estar hablando mucho de esa voz a través de las lecciones…La primera intervención por parte del público es a través de una mujer que quiere profundizar sobre la diferencia entre la religión y la espiritualidad. Es católica y después de leer el libro de Una Nueva Tierra, está confundida ya que algunas ideas se apartan de la noción católica que le han enseñado. Primero responde Oprah:

Oprah: Se reconcilian las del libro con el catolicismo o cristianismo porque el libro sencillamente te ayuda a abrir los ojos y la mente mas hacia Dios. En la iglesia hay reglas, creencias y doctrinas. Cuando tenía 27 o 28 años recuerdo estar en la iglesia escuchando al predicador que era maravilloso pero dijo que nuestro Dios era celoso y eso no se sintió bien dentro de mí. Y ahí empezó mi búsqueda. En el libro citas que el “hombre hizo a Dios a su imagen y semejanza. E hicimos lo eterno, lo infinito y lo innombrable reducido a un ídolo mental que teníamos que creer y adorar como a un Dios. Jesús vino a enseñarnos la Conciencia de Cristo; a enseñarnos un camino superior, una conciencia de la que hablamos aquí. Jesús dijo mira voy a vivir en un cuerpo y os voy a decir como se hace eso. Tolle explica al principio del libro que es posible un cambio en la conciencia; es un DESPERTAR. Pero él no quiere convertirse en el próximo gurú.

Tolle: La religión puede ser una puerta abierta hacia la espiritualidad o una puerta cerrada. A mi me gusta leer el nuevo testamento; también leo el viejo. Y muchos de las pasajes del nuevo testamento son una joya para mi. Las palabras de Jesús son mucho mas profundas de lo que las iglesias interpretan. Hay mucha intensidad y reflejan la propia profundidad cuando se leen. Así que no hay conflicto entre las enseñanzas, las cuales son puramente espirituales y las religiones. Si profundizas en las religiones, todas van al mismo sitio. Lo importante es que la religión no se convierta en ideología porque entonces se adoptan creencias y la religión se convierte en una puerta cerrada.

Oprah: Hay varios libros que hablan sobre la nueva espiritualidad en comparación con la antigua, que se asientan sobre la jerarquía y el poder de la iglesia. La nueva espiritualidad es una que te dice que tu eres tu propia autoridad y debes de conocerte y amarte a ti mismo. En la versión antigua se dice que “Dios es el Camino” y la forma en que lo haces ese camino está muy estructurada y debes de seguir esos exactos pasos. En las instrucciones nuevas debes primero escucharte a ti mismo y ver tus necesidades porque hay muchos caminos que te pueden llevar a la espiritualidad y a la Paz: tradiciones antiguas, mitología, psicología, métodos de sanación, la sabiduría científica, tu propia experiencia…Se trata de que todo esto despierte algo en ti. ¿Qué conflictos sientes tú?

La mujer explica que esos conflictos tiene que ver con las ideas de la vida después de la muerte y cosas así…Ideas del Budismo e Hinduismo y esas ideas no encajan muy bien dentro del catolicismo.

Oprah: Hay muchos mas caminos que el cristianismo

Tolle: Otros escritos interesantes viene de parte de John Goldsmith; cualquiera de sus libros le pueden enseñar cual profundo son las enseñanzas del cristianismo.

Otro participante del público en otro punto del país le pregunta sobre la historia de la humanidad en relación al Despertar y como en los últimos 10 años y particularmente en los 2 años la gente está mucho mas sensibilizada con la CONCIENCIA DE CRISTO. ¿Por qué está pasando esto?

Tolle: Está pasando porque estamos llegando a un punto crítico. Las cosas básicas no ocurren hasta que llegamos a la absoluta necesidad de que esto pase. En el pasado este despertar parece que ha sido el lujo del que solo unos pocos individuos tenían acceso. Ellos intentaron enseñar a otras personas pero sus palabras fueron malinterpretadas. Ahora es nuestro momento de DESPERTAR. Jesús fue un revolucionario que se malinterpretó mucho y nosotros estamos despertando ahora porque tiene que ser así para que la humanidad de su próximo salto evolutivo. Tenemos que despertar porque la mente puede ser muy destructiva y de seguir así terminar por destruir el planeta al no poder salir de la mente egoica. Si miras al Siglo XX tienes una visión de la que puede pasar. 100 millones de personas fueron asesinas por sus congéneres en los conflictos, guerras y hambrunas, muchas de ellas provocadas por el hombre común. Una demencia increíble. Si no hay un cambio en la CONCIENCIA AHORA podemos ir cuesta abajo y finalmente la humanidad podría no sobrevivir.

Oprah: Estamos en un punto crítico. Todo el mundo habla de la mal que están las cosas. Por ejemplo, los medios de comunicación, esas películas tan violentas que son un reflejo de lo que nosotros somos por dentro. Vamos a ver mutilar, asesinar a la gente como una forma de DIVERSIÓN. Piensa que si eso lo hicimos en el Siglo XX, ¿Qué podríamos hacer ahora con todo el material y el avanza tecnológico que tenemos? ¿Qué pasaría si no hay una cambio?

Tolle: Sí, porque la tecnología amplifica la función egoica en los seres humanos.

Oprah: Una de las cosas que he aprendido en el libro es a evaluar nuestro EGO. Primero hay que ver como contribuimos al problema. Ese dicho que dice “si no eres parte de la solución, eres parte del problema”. La mayoría de la gente no comprende que estamos contribuyendo al problema y el libro me hizo entender esto.

Tolle: Necesitamos observar nuestra mente. Es nuestra responsabilidad ver como reaccionamos a los problemas; que clase de pensamientos tenemos en la cabeza. Es importante no amplificar la negatividad y no reaccionar ante ella. Hay que estar alerta. Observa tu mente. Se testigo de ella para que la conciencia pueda crecer. No eres tus procesos mentales ya que ellos están afectados por miles de años de condicionamiento humano y hay una disfunción inherente en la estructura de los pensamientos. A través de esto surge el EGO. Ya hablaremos en profundidad sobre el EGO mas adelante. Al reconocer esto en ti mismo tienes responsabilidad de no contribuir a la destrucción colectiva.

Oprah: Eckhart se está refiriendo a la conciencia colectiva. Habla sobre esto en la página 11 y 12 del libro. El miedo de cada uno, sus enfados, la envidia, el resentimiento … todo esto contribuye a la conciencia colectiva. A fin de cambiar lo colectivo cada uno tiene la responsabilidad de cambiar sus propia mente.

DONDE LOS PERROS SE VUELVEN LOBOS: ANABELLA S. DE PAIZ

2010-03-06T09:23:00.000-08:00

Donde los perros se vuelven lobos. Escrita por Anabella S. Paiz nos cuenta la historia de dos hermanos en la época de la guerra civil. Esperaba que el libro tuviera alguna tendencia política pero me gustó el enfoque que la autora dio a la historia centrándose en la lucha interna de los personajes que ven sus ideales enfrentados al instinto de superviviencia. Desde un militar de alto rango cuestionando lo que hace el ejército a una civil intentando encontrar trabajo, Donde los perros se vuelven lobos nos ofrece un retrato de los daños psicológicos en una sociedad en guerra.

Verdi, UN BALLO IN MASCHERA, atto III(7), Ella e pura, Domingo, Barstow, Nucci, Jo

2010-03-05T18:05:00.000-08:00

Luciano Pavarotti (Gustavo), Leo Nucci (Renato), Aprile Millo (Amelia), Florence Quivar (Ulrica) and Harolyn Blackwell (Oscar) star in the Met's 1990 production of Guiseppe Verdi's Un Ballo in Maschera

2010-03-05T18:02:00.001-08:00

RAMON VARGAS SINGS ENSEMBLE "SIGNORI OGGI D'ULRICA", FROM VERDI'S "UN BALLO IN MASCHERA". BERLINER PHILHARMONIKER, 20001, CLAUDIO ABBADO CONDUCTING. ANDREA ROST, SOPRANO, LUCIO GALLO, BARITONE

2010-03-05T18:01:00.001-08:00

Un ballo in maschera (Verdi) - Act III finale with Elizabeth Vidal, Francesa Patanè, Sherrill Milnes, Richard Bernstein, Kevin Short

2010-03-05T17:59:00.001-08:00

Aria de Renato: "Alzatti" de la ópera de Giuseppe Verdi "Un ballo in maschera" interpretado por Francisco Valls

2010-03-05T17:57:00.000-08:00

Renata Scotto - "Morro, ma prima in grazia" - Verdi

2010-03-05T17:44:00.001-08:00

Un ballo in maschera Verdi Pavarotti Ricciarelli Teco io sto

2010-03-05T17:41:00.001-08:00

Piero Cappuccilli in " Conspire Scene" Ballo

2010-03-05T17:39:00.000-08:00

Luciano Pavarotti "E scherzo od e follia" Ballo

2010-03-05T17:37:00.001-08:00

Luciano Pavarotti "La rivedro nell'estasi" Ballo

2010-03-05T17:36:00.001-08:00

Un Ballo in Maschera. Forse la soglia attinse... Ma se m'è forza perderti (Atto III). Franco Corelli

2010-03-05T17:34:00.000-08:00

BAILE DE MÁSCARAS: VERDI

2010-03-05T17:23:00.000-08:00

Um Baile de Máscara - Cena da Maga

2010-03-05T17:19:00.000-08:00

'Um baile de Máscaras' (Dueto do 2º acto): Luciano Pavarotti, Leontyne Price

2010-02-26T12:40:00.000-08:00

Guillermina Higareda (Soprano ) Un Baile de Mascaras

2010-02-26T11:06:00.000-08:00

BAILE DE MÁSCARAS DE GIUSEPPE VERDI

2010-02-26T09:35:00.000-08:00

Acto I

Hay rumores de una conspiración contra el despreocupado rey Gustavo, quien aparece reunido con sus funcionarios en palacio. Lo interrumpe su paje Oscar, quien le trae la lista de los invitados al baile de máscaras que está organizando. El rey recuerda entonces que entre los invitados está Amelia, una mujer a la que ama en silencio y que está casada con Angkarstrom, su secretario personal y amigo. Precisamente en esos momentos llega éste, a prevenirle de la conspiración y a darle el nombre de los sospechosos, información que el rey le prohíbe revelarle puesto que no teme por su vida. Un juez informa al rey que pretende aprehender a una conocida adivina por sus prácticas prohibidas. El rey le indica que irá personalmente a comprobar si la acusada merece algún castigo. Irá de incógnito y parte de su corte lo acompañará.

En la morada de la hechicera, el rey disfrazado de pescador escucha cómo un marinero se queja ante ella de la falta de reconocimiento de sus superiores y ella le vaticina que esa situación cambiará pronto. Gustavo decide hacer algo al respecto, escribiendo una nota de ascenso para el marinero e introduciéndola subrepticiamente en sus bolsillos. El marinero luego la encuentra y todos se sorprenden por los poderes de la hechicera. Inesperadamente llega Amelia, y Gustavo se oculta mientras todos los demás son desalojados. Amelia confiesa a la bruja su amor imposible por Gustavo y le pide ayuda para olvidarlo, sin saber que el mismo rey la está escuchando, emocionado por saber que su amor es correspondido. La hechicera le indica que vaya a medianoche al campo de ejecuciones para consumir una hierba que hará que abandone esos sentimientos. Amelia se marcha y todos los demás regresan a escena. Gustavo decide seguir con su misión, presentándose ante la hechicera como un humilde pescador que quiere saber lo que le depara el futuro. Ella revisa sus manos y le indica que tenga cuidado, que la próxima persona que estreche sus manos lo asesinará. Incrédulo el rey ofrece su mano a los presentes pero nadie quiere estrecharla. En esos momentos llega Anckarström, quien inocentemente saluda al rey dándole las manos. Es suficiente prueba para Gustavo, quien decide revelar su identidad y dejar en paz a la supuesta hechicera a quien ahora considera sólo una inofensiva farsante: porque su mejor amigo jamás le haría daño. Ella, sin embargo, insiste en que hay más de uno, entre los presentes, que quiere atentar contra él.

Acto II

En el campo de ejecuciones, a media noche, Amelia está siguiendo las indicaciones de la hechicera mientras medita sobre su amor y su suerte. Entonces llega Gustavo quien, ya confiado por lo que le escuchó decir frente a la hechicera, decide hablar de sus sentimientos. Luego de dudarlo ella revela lo que siente su corazón pero también lo imposible que es consumarlo. Anckarström, aún preocupado por la seguridad del rey, lo ha seguido y al encontrarlo allí con una mujer (a quien no reconoce puesto que ella se cubre el rostro) le pide al rey que huya, que tiene informes de que los conspiradores lo siguen. El rey asiente pero le pide a su amigo que le jure que llevará a esa mujer a la ciudad sin pedirle que revele su rostro. Su amigo acepta y urge al rey a marcharse. Anckarström y Amelia inician el retorno cuando los conspiradores los sorprenden preguntando por el rey. Al final Amelia debe descubrirse y el secretario real, horrorizado y avergonzado, asume que su esposa lo engaña con el rey. Todos salen de escena en medio de la burla general y la vergüenza de los esposos.

Acto III

En casa de Angkarstrom, éste, lleno de ira, discute con su mujer a quien acusa de infiel y a quien indica que dará muerte en castigo. Amelia desesperada le ruega que le permita antes despedirse de su único hijo. Su esposo le pide que vaya entonces a verle, y al quedarse solo reflexiona en medio de su dolor que no es la sangre de la mujer que ama lo que lavará la ofensa, sino la del rey. Ha hecho venir a los funcionarios sospechosos a su casa. Los encara y les muestra las pruebas que tiene contra ellos. Cuando éstos creen que ya no tienen escapatoria, Anckarström les dice que quiere unirse a la conjura. Elegirán quien debe matar al rey en un sorteo con una urna y papeles con los nombres de cada uno. Es entonces cuando retorna Amelia a quien le piden sacar un papel de la urna. Sale el nombre de Anckarström. Oscar llega entonces a entregarles a todos invitaciones para el baile de máscaras que se dará en palacio. Al saber que el rey estará presente los conjurados convienen que será allí donde actuarán. Irán embozados y la contraseña será "muerte". Amelia ha adivinado las intenciones de su esposo y se promete a sí misma salvar a Gustavo.

En el palacio, Gustavo, sin saber nada de esto, medita sobre su inútil pasión. Decide que lo mejor es enviar a su mejor amigo a una misión en el extranjero con su esposa. "Que el inmenso mar nos separe... y acalle nuestro corazón". Oscar entra a la escena y le entrega un papel que dice que le dio una dama misteriosa. En el papel Gustavo lee que lo querrán matar en el baile. No hace caso de la advertencia: tiene que ir, para ver por última vez a su amada imposible.

En medio del baile todos están disfrazados. Angkarstrom intenta sonsacarle a Oscar cuál es el disfraz del rey mientras Amelia encuentra a Gustavo y trata de convencerlo de que se marche por el peligro que corre. Este aprovecha la ocasión para despedirse y anunciarle que ella se marchará pronto con su esposo. Alguien escucha su adiós: es Angkarstrom, quien se acerca y apuñala al monarca. Oscar reconoce al asesino, los presentes lo capturan y lo desenmascaran ante la incredulidad general. Se escuchan clamores de castigo pero el rey, que aún vive, pide que lo dejen. Le jura a su amigo que nunca pasó nada entre él y Amelia y que en sus manos está la prueba: la carta de su ascenso donde los envía a otras tierras. Entre el lamento general, el rey ordena el perdón para todos antes de morir.

"AMORE E MORTE": DONIZETTI CON CECILIA BARTOLI

2010-02-25T20:16:00.001-08:00

LA AGONÍA Y EL ÉXTASIS: IRVING STONE

2010-02-15T17:08:00.000-08:00

Irving Stone nos deleita esta vez con la vida de Miguel Ángel Buonarotti, el inmortal creador del Moisés y del David, pintor de la Capilla Sixtina y arquitecto de la Basílica de San Pedro. Gracias a una minuciosa recreación histórica, la narración nos conduce hasta la Italia del Renacimiento, época en la que el arte florecía bajo el mecenazgo de poderosas familias de príncipes y papas. En plena turbulencia política y religiosa, rodeado de oscuras e influyentes personalidades, Miguel Ángel va creando su obra monumental, mientras vive intensos amores y desamores con las damas más relevantes de la corte. Todo el esplendor y el dramatismo de una época clave para la cultura humana enmarcan este fascinante retrato de uno de los artistas más geniales de todos los tiempos.

LUJURIA DE VIVIR: IRVING STONE

2010-02-15T16:56:00.000-08:00

Vincent Van Gogh fue sin duda un gran pintor postimpresionista, precursor del arte moderno. Rara vez, sin embargo, un genio fue tan trágicamente ignorado por sus contemporáneos. Recién después de su muerte, a los treinta y siete años de edad, alcanzó la consagración universal. Había nacido en Holanda en 1853. Era hijo de un pastor y tenía inclinaciones místicas, pero rompió con su padre cuando decidió ser pintor. Viajó a París y conoció a Toulouse Lautrec, Seurat, Degas, Pissarro; y a Gauguin, de quien llegó a ser amigo entrañable. Su existencia transcurrió en la mayor contradicción espiritual y penuria económica, entre períodos de lucidez y crisis de locura. En una de ellas, se cortó una oreja; en otra, se disparó a sí mismo con un revólver, y murió dos días después, diciendo: "La miseria no acabará jamás". En toda su vida, apenas había conseguido vender un solo cuadro, por doscientos francos.

Irving Stone, consagrado biógrafo de Miguel Ángel, Freud, Schliemann y Darwin —La agonía y el éxtasis, Pasiones del espíritu, En busca de Troya y El origen—, describe con incomparable maestría la vida exuberante y atormentada del gran artista. Van Gogh ambicionaba expresar, por medio de la pintura, no sólo las sensaciones ópticas sino los sentimientos. Los colores adquirían funciones psíquicas. "He buscado, dice, expresar las terribles pasiones humanas, con el rojo y con el verde". Toda su obra fue un paroxismo de ritmo y color, puramente sensorial, que trascendió las influencias de los impresionistas, de Cézanne y de Seurat, y fue la raíz del fauvismo y del expresionismo, movimientos artísticos fundamentales del siglo veinte. Lujuria de vivir es un libro clásico, quizás la obra maestra de Irving Stone. Este libro apareció en ediciones anteriores con el título ANHELO DE VIVIR.

UN AÑO CON SCHOPENHAUER: IRVIN YALOM

2010-02-13T10:19:00.000-08:00

Con el firme propósito de cerrar su ciclo vital compartiendo con los demás su experiencia, su sabiduría y su capacidad de amar, Julius incorpora a Philip al grupo de terapia que dirige desde hace años. A su vez Philip, un hombre solitario y frío, los introduce al pensamiento de Arthur Schopenhauer, a quien considera su auténtico terapeuta personal. ¿El gran filósofo del pesimismo convertido en guía espiritual?

Irvin Yalom, autor de la aclamada novela El día que Nietzsche lloró, vuelve con su trabajo más brillante hasta la fecha. Un año con Schopenhauer es el recorrido vital de un hombre sensible a quien la inminencia de la muerte lo lleva a hacer un balance de su vida.

EL DÍA QUE NIETZCHE LLORÓ: IRVIN YALOM

2010-02-09T10:27:00.000-08:00

Situado a finales de noviembre y diciembre de 1882, la historia está ambientada en la cultura vienesa de confort y estabilidad económica, donde sus habitantes viven regidos por las normas de una sociedad rígidamente estructurada donde la voluntad de decisión es ya algo secundario.

Destacan en la obra personajes de gran relevancia histórica, como ser Sigmund Freud en el campo del psicoanálisis, Josef Breuer en el psicoanálisis y la medicina, y Friedrich Nietzsche en el existencialismo filosófico. Toman parte también personajes históricos como Richard Wagner, gran compositor alemán, el filósofo Paul Reé, y Lou Andreas-Salomé, escritora alemana de origen ruso que cumple con un gran protagonismo dentro de la historia.

"El día que Nietzsche lloró" es, en sí, un vistazo al comienzo del psicoanálisis, haciendo hincapié en hechos reales, como ser el caso Ana O. llevado a cabo por Josef Breuer, y la ayuda que regularmente presta el en esos tiempos el aún joven pero brillante Sigmund Freud.

LA ISLA BAJO EL MAR: ISABEL ALLENDE

2010-02-09T10:18:00.000-08:00

Esta es la historia de Zarité, una muchacha mulata que a los nueve años es vendida como esclava al francés Valmorain, dueño de una de las más importantes plantaciones de azúcar de la isla de Santo Domingo. A lo largo de la novela viviremos cuarenta años de la vida de Zarité y lo que representó la explotación de esclavos en la isla en el siglo XVIII, sus condiciones de vida y cómo lucharon para conseguir la libertad. Pese a verse obligada a vivir en el ambiente sórdido de la casa del amo y verse forzada a acostarse con él, nunca se sentirá sola. Una serie de personajes de lo más variopinto apoyarán a nuestra protagonista para seguir adelante hasta conseguir la libertad para las futuras generaciones.
Mujeres peculiares como Violette, que se dedica a la prostitución o Loula, la mujer que organiza su negocio; Tante Rose, la curandera, Celestine o Tante Matilde, la cocinera de la plantación: personajes con este punto de magia que dan un ambiente y un color especial a la novela. Los amos desprecian y maltratan a los esclavos. Estos a su vez organizan rebeliones, una de las cuales provoca un incendio en la plantación. Valmorain huye de la mano de Zarité. Ella ha criado a Maurice, hijo de Valmorain que crece junto a Rosette, la propia hija de Zarité y su amo. Como esclava, también estará al servicio de las dos esposas de Valmorain: dos personajes totalmente distintos pero muy bien caracterizados por la autora. Conforme avanza la novela nuestro personaje alcanza la dignidad que le corresponde. Vivirá su propia historia de amor y conseguirá la libertad.

Quartet "Prima che d'altri vivere" - Il Trovatore: G.Verdi - Il trovatore [2006, Bregenzer Festspiele] Manrico - Carl Tanner Conte di Luna - Zeljko Lučić Leonora - Iano Tamar Azucena - Marianne Cornetti

2010-02-09T10:05:00.000-08:00

Plácido Domingo y Fiorenza Cossotto "Madre Non Dormi?"

2010-02-09T09:48:00.000-08:00

Luciano Pavarotti - Ah si ben mio... Di quella pira - Live 1975

2010-02-09T09:41:00.000-08:00

Haydée Dabusti - Trovatore - Miserere "Tu vedrai che amore in terra..." (2009)

2010-02-07T13:47:00.000-08:00

Ettore Bastianini "Tutto è deserto...Il balen del suo sorriso"

2010-02-07T13:37:00.001-08:00

Violeta Urmana as Azucena "Giorni poveri vivea"

2010-02-07T13:32:00.001-08:00

Perchè piangete..."Il Trovatore" Fiorenza Cedolins, Marco Berti, Vittorio Vitelli, Paata Burchuladze. Dir.Marco Armiliato, regia di Gilbert Deflò - Barcellona, 2 dicembre 2009

2010-02-07T13:29:00.001-08:00

Bergonzi, Cossotto, "Mal reggendo... Perigliarti ancor languente" (Verdi, Il Trovatore)

2010-02-07T13:26:00.000-08:00

IL TROVATORE "D'amor sull'ali rosee"

2010-02-06T14:20:00.001-08:00

Stride la vampa - IL TROVATORE- Zajick - Met Opera

2010-02-06T14:17:00.000-08:00

Renee Fleming sings Tacea la notte placida - Il trovatore

2010-02-06T14:14:00.001-08:00

"Allerta! Allerta! ...di due figli vivea" - Ferrando - Il Trovatore - G.Verdi

2010-02-06T14:12:00.000-08:00

Terzetto "Di geloso amor sprezzato" - Il Trovatore: Bregenzer Festspiele] Manrico - Carl Tanner Conte di Luna - Željko Lučić Leonora - Iano Tamar

2010-02-02T15:53:00.001-08:00

Željko Lučić "Per me ora fatale" - Il Trovatore

2010-02-02T15:52:00.001-08:00

Radvanovsky & Hvorostovsky - Il trovatore duet

2010-02-02T15:49:00.001-08:00

ANVIL CHORUS, DE VERDI: IL TROVATORE

2010-02-02T15:46:00.001-08:00

EL TROVADOR: GIUSSEPE VERDI

2010-02-02T15:42:00.000-08:00

Opera romántica en cuatro actos,con música de Giuseppe Verdi (1813-1901) con libreto de Salvatore Cammarano, completado por Leone Emanuele Bardere y basado en el drama homónimo del dramaturgo español Antonio García Gutierrez.

Personajes

CONDE DE LUNA MANRICO
LEONORA
AZUCENA
FERRNANDO
RUIZ
INÉS

Noble. Enamorado de Leonor Militar. Prometido de Leonor
Prometida de Manrico
Gitana. Supuesta madre de Manrico
Jefe de la Guardia del Conde de Luna
Lugarteniente de Manrico
Doncella de Leonora

Barítono Tenor
Soprano
Mezzosoprano
Bajo
Tenor
Soprano

La acción transcurre en Zaragoza (Aragón, España) en el año 1413

ACTO I.- Escena 1. En la sala de guardia del castillo de Aliferia, en Zaragoza (España), los guardias hablan de los asuntos de su comandante, el Conde de Luna. Comentan que el Conde pasa las noches bajo el balcón de la elejida de su corazón, que parece preferir las serenatas de cierto torvador...

Los soldados que luchan contra el sueño, hacen que un viejo oficial, Ferrando, les vuelva a contar la terrible historia de garcía, hermano menor del Conde de Luna. García estaba todavía en la cuna cuando una horrible bruja le arrojó un maleficio. El empezó a debilitarse, y su padre creyó poder salvarlo enviando a la vieja gitana a la hoguera. Pero ésta tenía una hija que, para vengar a su madre, arrebató al niño. Nunca se encontró al pequeño García ni a su raptora. Sólo los restos calcinados de un niño de su edad encontrados en el lugar donde se ajustició a la bruja, sugerían que el niño había sido víctima de crueles represalias.

Sin embargo, el viejo Conde creía que su hijo estaba vivo y en el lecho de muerte, hizo prometer a su hijo que continuaría con la búsqueda. El mismo Ferrando está seguro de poder reconocer a la hija de la bruja, incluso después de haber pasado veinte años. Todavía hoy, se considera que la bruja, en persona, aparece por el palacio. Cuando suenan las doce campanadas de medianoche, los hombres se dispersan presos de un miedo supersticioso.

Escena 2.- La escena se desarrolla, igualmente, por la noche, pero en los jardines del palacio. Leonora está haciendo confidencias a su doncella Inés sobre el amor que ella siente por un caballero desconocido que ella coronó tras su victoria en un torneo, pero que ella no volvió a ver tras esl estallido de la guerra civil. Después, una noche, escuchó a un trovador que le daba una serenata en el jardín y ella reconoció en él al caballero de la armadura negra. Inés considera que esta relación es peligrosa y le aconseja que la olvide. Pero Leonora reafirma su pasión y dice que su amor por el tenor es eterno.

Ella entra en el palacio acompañada de Inés y mientras tanto aparce el Conde. Él declara su amor por Leonora y al escuchar la voz de su rival, el trovador Manrico, es devorado por los celos. Se tranquiliza desde el momento en que Leonora se arroja a sus brazos. Pero lo que ha ocurrido es que, en la obscuridad de la noche, ella lo ha confundido con Manrico. Un rayo de Luna que atraviesa las nubes deshace el malentendido, y los tiernos impulsos de Leonora cambian de persona. El Conde Luna furioso y Manrico embelesado se enfrentan violentamente. El primero amenaza al segundo, el cual tiene la doble culpa de ser su rival afortunado y un proscrito político. Ellos cogen la espada y se alejan para batirse en duelo, mientras que las joven cae desvanecida.
ACTO II.- Escena 1. El segundo acto nos lleva a un campamento de zíngaros al pie de las montañas. Los nómadas cantan alegremente mientras trabajan ("coro del yunque"). Posteriormente son interrumpidos por el lamento lúgubre de una mujer sentada cerca del fuego: Azucena. Ella habla de un acontecimiento lejano que ya fue contado en el primer acto: la ejecución de una pretendida bruja Condenada a ser quemada viva....

El día avanza y los gitanos se dispersan. Sólo quedan Azucena y un joven (Manrico en persona) que la urge a que hable mñas sobre esta visión horrorosa que parece obsesionarla. Ella le vuelve a contar la historia de la bruja ajusticiada, con detalles escalofriantes, pero añadiendo una revelación capital: era tal su enloquecimiento por el dolor que estaba indiferente a todo lo que no fuera la venganza reclamada por su madre, y en estas circunstancias y en plena locura, el niño que ella arrojó a las llamas no era el hijo del Conde sino su propio hijo.

Manrico que creía ser su hijo, le pregunta entonces con una cierta ingenuidad: "Pero, entonces, ¿quién soy yo?". Azucena se desdice enseguida, pretendiendo que ella ha perdido la cabeza cuando ha evocado la terrible tragedia y asegura al joven que es su hijo, ¿sus cuidados maternales no le han salvado la vida?.

Manrico, entonces, le cuenta que después de su duelo con el Conde, al que inexplicablemente lo perdonó cuando lo tenía a su merced, fue vencido y dejado por muerto en el campo de batalla por su adversario menos generoso. Azucena le hace jurar que él no vacilará en matarlo si la ocasión se presenta de nuevo. Su conversación es interrumpida por la llegada de un mensajero trayendo la noticia de que Leonora, creyendo a Manrico muerto, va ha ingresar en un convento esa misma noche. A pesar de los esfuerzos de Azucena que quiere retenerlo, el trovador salta sobre un caballo y desaparece.

Escena 2.- El Conde ha reunido a sus seguidores en el convento cerca de Castellor, donde Leonora tiene la intención de tomar el hábito. Él está decidido a impedírselo a cualquier precio y luego llevársela. Una campana anuncia el comienzo de la ceremonia, pero el Conde está cada vez más determinado a que Leonora sea suya. Ella pertenecerá al Conde y no ha Dios. Ignorando al coro de religiosas que exhortan a la oración, el Conde continua reclamando para él a Leonora.

Leonora, acompañada por algunos sirvientes afligidos, se prepara a cruzar el umbral del convento. Luna sale de su escondite y va a cogerla cuando un hombre se interpone: "¡Manrico!". Todos lanzan exlamaciones liberando los diversos sentimientos que origina el ver al trovador resucitado; quien no tiene ningún problema en persuadir a Leonora para que lo siga. El Conde no quiere renunciar a su presa, pero los partidarios de Manrico lo desarman.
ACTO III.- Ecena 1. Al levantarse el telón se escuchan los cantos alegres de un coro de soldados en el campamento del Conde Luna, que va a atacar una plaza fuerte,Castellor, defendida por Manrico. Ferrando anuncia la captura de una zíngara acusada de espionaje. Es Azucena que, encadenada, es arrastrada hasta los pies del Conde. Ella responde con evasivas a los interrogatorios hasta el momento en que Ferrando, que la ha reconocido, la denuncia. Ella se traiciona a sí misma al llamar a Manrico para que la ayude. Entonces el Conde se regocija: al ajusticiar a Azucena, conseguirá dos objetivosa la vez, alcanzar a la madre de su peor enemigo y a la homicida de su hermano.

Escena 2. En el interior del castillo de Castellor, donde Manrico se ha refugiado con Leonora, cerca de la capilla donde va a celebrarse el matrimonio de ambos. El primero da sus órdenes a la vista de como discurre la batalla. Después él busca a su prometida para tranquilizarla. Manrico canta su amor por Leonora: "Ah, sì, ben mio" ("Ah, sí, amor mío, soy tuyo"). Todo está dispuesto para la celebración del matrimonio y se oye en la lejanía el órgano de la capilla del castillo. Pero el duo de amor no dura mucho, Ruiz, lugarteniente de Manrico, entra con la noticia de que Azucena ha sido apresada por las tropas del Conde. Desde las ventanas del castillo se ve a Azucena que es conducida por los soldados a la hoguera. Manrico trastornado revela a Leonora que la zíngara es su madre y canta entonces su determinación de salir del castillo sitiado, dejando en él a su prometida, para salvar a su madre: "Di quella pira" (De aquella hoguera..."). Leonora, Ruiz y el coro de soldados se le unen a Manrico. Finalmente sale y corre en ayuda de su madre.
ACTO IV. - Escena 1. El castillo de Aliaferia. Se distingue en la negra noche una torre de aspecto siniestro, con estrechas ventanas con barrotes. El rescate de Azucena ha fracasado y ambos están prisioneros. En la noche, Leonora se acerca a la torre, acompañada de Ruiz con el propósito de salvar a Manrico a cualquier precio, quien posteriormente se aleja discretamente. La joven medita sobre la trágica suerte de su prometido que ahora se encuentra prisionero en la torre. Canta "S'amor sull'ali rosee" ("En las rosadas alas del amor"). AL principio sólo se escucha a lo lejos un coro que entona el "Miserere" por alguien que está a punto de morir, y sobre este fondo surgen los lamentos de Manrico, un grito de amor y de resignación, y los aciagos presentimientos de Leonora; la cual reafirma su voluntad y su certeza de salvarlo, incluso pagando con su propia vida.

Entra en escena el Conde Luna dando sus instrucciones: al alba el hijo morirá por el hacha y la madre por el fuego. Sin embargo su triunfo es incompleto, pues Leonora ha desaparecido. Su sorpresa es muy grande cuando ella se presenta ante él. Y su despecho es aún mayor cuando ella le conjua, en términos patéticos, a que perdone al trovador, loco de celos, él rehúsa. Desesperada Leonora se ofrece en matrimonio al Conde a cambio de la libertad de Manrico, si bien tiene el propósito de envenenarse cuando aquél esté libre: "Mira d'acerba lagrime" ("Mira las amargas lágrimas"). En primer lugar incrédulo, después lleno de alegría, Luna acepta jubiloso y se apresura a modificar sus primeras instrucciones, mientras que Leonora absorbe furtivamente el veneno contenido en su anillo.

Escena 2. Un calabozo sordido en el interior de la torre. Manrico se esfuerza por calmar a Azucena, prometiéndole sacarla de allí, que ante la perspectiva de la hoguera casi ha enloquecido. Manrico acaba por tener éxito en calmar a la agitada mujer. Azucena recuerda los días felices cuando ellos vivían en las montañas: "Ai nostri monti" ("A nuestros montes"), y ella acaba por dormirse.

Entra Leonora y dice a Manrico que está libre, pero al saber el precio de esta libertad, la rechaza. El veneno comienza a hacer efecto, entonces Leonora le dice que ha tomado un veneno y muere en los brazos de su amado. Llega el Conde y al conocer lo ocurrido, se siente burlado y ordena la ejecución de Manrico, que es conducido fuera de la torre. Entonces Azucena se despierta y, desde la ventana, ve caer la cabeza de su hijo... adoptivo; y dice al Conde que la persona a la que ha mandado ejecutar es su propio hermano y con furiosa alegría exclama que, por fin, su madre ha sido vengada. Ela se desploma a su vez, aparentemente muerta de emoción; y Luna dice la última palabra reprochándose el "vivir todavía".

SANACIÓN CUÁNTICA: DEEPAK CHOPRA

2010-01-31T10:50:00.000-08:00

A lo largo de muchos años de práctica, en una clínica en Estados Unidos, el doctor Deepak Chopra había comprobado que algunos pacientes, pese a sufrir graves enfermedades, recuperaban la salud de forma inexplicable. Este médico regresó a su país de origen, la India, y estudió allí los principios del Ayurveda, la tradición curativa más antigua de la humanidad. Combinando esta sabiduría milenaria con los últimos descubrimientos de la ciencia occidental, este prestigioso endocrinólogo, cuyos métodos curativos han merecido la portada de revistas como Time, ha sentado las bases de una nueva medicina orientada hacia la "curación cuántica", que representa una revolucionaria posibilidad de sanación para el hombre de nuestros días.

Parecía que Ray estaba ya muerto cuando cayó. Doce mil voltios de electricidad lo habían arrojado violentamente del tejado; lo que debería haber sido una inofensiva toma de tierra resultó ser un cable de alta tensión. Ray lo cogió y la descarga masiva de corriente le provocó un paro cardíaco instantáneo. Los vecinos que lo descubrieron vieron, horrorizados, cómo la mitad derecha de su cuerpo estaba carbonizada, aunque el corazón, inexplicablemente, aún latía. Fue trasladado a un hospital y los cirujanos le amputaron el brazo derecho. Le operaron cinco veces y tuvieron que realizarle varios injertos. La rodilla derecha resultó tan dañada que las arterias, los huesos y los nervios estaban expuestos al aire. Sin embargo, Ray se curó de forma asombrosa. Cuando los médicos lo visitaron, cuatro semanas más tarde, casi no lo podían creer. Había empezado a formarse músculo en todos los huecos y la piel nueva lo estaba cubriendo rápidamente. A partir de ese momento no fueron necesarias más intervenciones quirúrgicas.

Según Deepak Chopra, que narra este caso en su libro Vida Incondicional, Ray había logrado entrar en el nivel de su conciencia donde se produce la curación espontáneamente. Es un proceso al que Chopra denomina "curación cuántica" y consiste, en su estadio más elevado, en establecer las condiciones apropiadas para que actúe el propio poder de recuperación del paciente. Las sanaciones espontáneas se originan en el nivel más profundo del "yo" e implican el deseo que tiene la persona en su totalidad de recuperarse completamente. Guiado por ese pensamiento inflexible, el cuerpo no tiene más alternativa que obedecer.

En el caso de Ray, éste contó posteriormente que durante su experiencia sintió un inmenso dolor pero que nunca lo convirtió en sufrimiento. "En la fracción de segundo que duró mi caída pensé que se había tomado una decisión que evitó mi muerte. Fue un regalo. Mi mente recordó muchas veces ese momento y descubrí que la memoria había producido una conciencia diferente en mí. Sólo lo puedo comparar con la meditación: estaba en un lugar en el que no podía alcanzarme el dolor". Ray había practicado la meditación desde su juventud, pero ¿de dónde procedía su poder sanador?

Lo único que queda claro es que él tenía una intensa sensación de seguridad. "Desde el principio estaba seguro de que me iba a recuperar. No existe explicación para ello, era como un secreto que yo compartía con Dios. Me fue concedida la oportunidad de rehacerme. No sabía cómo hacerlo, sólo sabía que iba a ocurrir y que nada podría impedirlo", declaró luego a sus familiares y amigos.
El salto cuántico
Las investigaciones realizadas en Estados Unidos y Japón sobre curaciones espontáneas del cáncer y otras enfermedades graves han revelado que se producen, generalmente, cuando los pacientes experimentan un cambio radical en su nivel de conciencia. El enfermo está seguro de que va a curarse y siente que la fuerza responsable viene de dentro y a la vez no se limita al interior, sino que se expande, más allá de sus fronteras personales, hacia la naturaleza. La persona está dando un salto hacia un nivel de conciencia que prohíbe la existencia de la enfermedad y ése es el momento decisivo, aunque no se produce necesariamente en un abrir y cerrar de ojos.

Según Chopra, la palabra quantum sería la más adecuada si nos remitiéramos a una terminología científica. El quantum o salto cuántico designa un impulso desde un determinado nivel de funcionamiento hasta otro superior. En los casos de curaciones espontáneas se produce ese ascenso hacia el nivel superior de la curación cuántica. Numerosos médicos, tanto los que practican la medicina oficial como los dedicados a las llamadas "medicinas alternativas", se han encontrado con pacientes que han protagonizado episodios de curaciones inexplicables. Éstas pueden ser debidas a la fuerza de voluntad, a las oraciones o al empleo de placebos. Todo ello, según Chopra, apunta a un salto cuántico. La característica que se repite en estos casos es la capacidad de percepción interior del enfermo, que parece estimular el salto cuántico en el transcurrir de su proceso de curación.

De momento, la medicina oficial no ha dado aún ese salto y la palabra quantum continúa sin tener aplicaciones clínicas. La curación cuántica se produce en un campo al margen de los métodos exteriores y de la alta tecnología y se centra en el núcleo del sistema cuerpo-mente. En ese núcleo se inicia el proceso de curación y para alcanzarlo hay que traspasar los niveles más elementales del cuerpo, ya sean células, tejidos u órganos, hasta llegar al punto de encaje entre la materia y la mente, el lugar donde la conciencia logra impactar eficazmente.

Las aportaciones de Deepak Chopra al campo de la medicina del cuerpo y de la mente están centradas tanto en las investigaciones que ha llevado a cabo acerca de los procesos que determinan la curación cuántica como en las técnicas necesarias para entrar en contacto con ese nivel de sanación y de paz interior. Es en este último apartado donde entra en juego una antiquísima sabiduría, el Ayurveda, de origen hindú pero cuyos fundamentos se pueden encontrar entre muchos otros pueblos del planeta.
Para el Ayurveda, la felicidad del enfermo es tan importante como su supervivencia y además concede una gran importancia a permitir que la conciencia encuentre su propio camino por encima del daño sufrido por el organismo. Prescribe un programa de dietas, descanso, meditación y un régimen especial llamado Panchakarma, que consiste en masajes, baños de vapor con hierbas, paseos a la luz del sol y otros sencillos métodos naturales adaptados siempre a las peculiaridades de cada paciente.
Chopra no había sido educado en la tradición ayurvédica. Aunque esta medicina se ha practicado durante milenios en la India, allí, como ocurre en tantos otros países que se han sumergido rápidamente en un proceso de occidentalización, los antiguos conocimientos le resultan a la población menos sugerentes que los nuevos métodos de la medicina industrializada. De hecho, Chopra se empezó a interesar por el Ayurveda y por la meditación cuando ya estaba en Estados Unidos, y en ese redescubrimiento desempeñó un papel fundamental su trabajo como endocrinólogo, unido a su intento de profundizar en los poderes primordiales de la mente y del espíritu.
Un regalo de los dioses

En 1947, el movimiento de no violencia y desobediencia civil encabezado por el Mahatma Gandhi logró derrotar a uno de los imperios coloniales más poderosos del planeta. Después de un dominio de 347 años. Gran Bretaña perdió la joya más preciada de su corona. Ese mismo año nació Deepak Chopra, hijo de un médico de formación occidental, fascinado por los conceptos de "progreso" y "modernidad". La India estrenaba su libertad y, al mismo tiempo, debido al creciente proceso de occidentalización, se empezaban a derrumbar los pilares de un sistema de conocimientos y espiritualidad que había sustentado a las civilizaciones hindúes durante miles de años.

"En mi infancia –cuenta Chopra en uno de sus libros– tenía el vago conocimiento de que había una medicina distinta a la que practicaba mi padre. Era la medicina india tradicional llamada Ayurveda, término formado con las palabras sánscritas ayus, vida, y veda, conocimiento. Pero la idea de recurrir al Ayurveda, con sus miles de hierbas de eficacia no comprobada y con su gran número de rituales carentes de sentido, era una herejía para personas como mi padre, que practicaba con orgullo la medicina occidental".
Sin embargo, según los textos sagrados de la Charaka Samhita, este "conocimiento de la vida", el Ayurveda, fue un regalo de los inmortales a la humanidad. Los habitantes de la India eran presa de las enfermedades y la ignorancia espiritual, hasta que siete sabios o ríshis invocaron al dios Indra y recibieron su sabiduría acerca de la vida, no sólo humana, sino también la de los animales, las plantas, las piedras, los seres inanimados y todo lo creado. Los rishis le dieron estos conocimientos a los hombres para que los aplicaran y se salvaran eternamente. Así pues, el Ayurveda es más que un sistema de medicina: es la guía hindú de la vida.

Pero Deepak Chopra, como tantos otros médicos de la primera generación nacida bajo la bandera de la India libre, estaba muy lejos de apreciar la idea de un sistema que contemplara al hombre en su integridad. Estudió medicina occidental, se especializó en endocrinología, se trasladó a Estados Unidos y trabajó durante varios años en grandes hospitales donde los enfermos eran poco más que fichas anónimas. Allí tuvo la oportunidad de ser testigo de casos como el de Ray, es decir, de curaciones espontáneas que desafiaban a todos los principios de la ciencia médica.

En 1981, durante una de sus visitas a la India, un amigo con el que había comenzado a practicar la meditación le recomendó que visitara al que estaba considerado como el médico ayurvédico vivo más importante. Se trataba de Brihaspati Dev Triguna, quien estaba al frente del Consejo Nacional Indio de Médicos Ayurvédicos. Al ver cómo examinaba a sus pacientes y los sencillos remedios que les prescribía, Chopra empezó a comprender hasta qué punto la medicina occidental había fragmentado la totalidad cuerpo-mente del ser humano.
El ritmo cósmico del Ayurveda
El Ayurveda no es más que flujo. Ésa es su esencia. Contempla al hombre en un momento determinado y considera si es joven o viejo o cuál es su tipo corporal. Tiene en cuenta que sus costumbres y su alimentación son diferentes a los de otra persona que viva en un medio parecido, y que su respuesta ante el dolor o la alegría es también una característica peculiar.

El médico ayurvédico estudia incluso la época del año y la hora del día. Las hierbas que recomienda varían de un hombre a otro y de una estación del año a otra. Lo que resulta más fascinante todavía es que se detiene en las peculiaridades de cada enfermedad y nunca hay dos diagnósticos que sean exactamente iguales. El cáncer de piel de un hombre podría ser curable, mientras que el de otro quizá sea resistente al tratamiento. Si un médico tiene suficiente habilidad, sabe incluso si un paciente morirá a causa de un simple resfriado. Concede un crédito considerable a la tecnología de la medicina occidental, pero opina que está completamente fragmentada. Él se basa en que la naturaleza está formada por una inteligencia y el hombre forma parte de la naturaleza. En consecuencia, la inteligencia del hombre le pone en relación con el Universo.

El médico ayurvédico no se inmiscuye en la vida del paciente. Sus dedos se limitan a tomar el pulso de esa vida y perciben sus ritmos, extraen el conocimiento de la disonancia, las vibraciones interrumpidas que podrían causar las enfermedades. Es suficiente. Para él no hay más que un ritmo saludable: el ritmo cósmico. La esencia de la salud consiste en prestar atención al marcador del ritmo. Cuando se hace así, la enfermedad desaparece.

Después de este reencuentro con la antigua sabiduría curativa ayurvédica, Chopra siguió ejerciendo la medicina occidental hasta que entró en contacto con Maharishi Mahesh Yogui, el fundador de la meditación trascendental. Hasta entonces, la meditación que practicaba Chopra era muy personal: no hacía falta purificarse o encender una vela, ni tan siquiera rezar para seguir la práctica. La idea que le guiaba era completamente nueva: la integración de la mente y el cuerpo. Y eso debía tener lugar aquí y ahora.

Chopra asegura que "es imposible proceder de la India y no tener una serie de fuertes impresiones sobre la meditación. Ésta significaba para mí controlar la mente, por lo que estaba indicada para los ermitaños y la gente de inclinaciones religiosas. Conducía a la paz interior, pero sobre todo a quienes renunciaban al mundo. Si uno había progresado lo suficiente y estaba dispuesto a abandonarlo todo, la meditación le procuraba una recompensa preciosa, pues rompía las ataduras de la ignorancia. Yo estaba de acuerdo con todo eso, pero no podía esperar".

La meditación trascendental fue para Chopra una novedad, pues en su país no le habían enseñado nada al respecto. Era algo que no se ceñía a las antiguas costumbres. Por ejemplo, en vez de hablar de ignorancia y servidumbre, se refería al estrés que se acumula en el organismo. Eliminaba todo lo relativo a los extenuantes esfuerzos por alcanzar la iluminación. La meditación correcta debía ser un proceso sin esfuerzo que condujera a una relajación más profunda y liberara del estrés. La realización espiritual seguía siendo el gran objetivo que había sido durante innumerables siglos, pero no tenía sentido insistir en ella mientras el cuerpo y la mente no estuvieran preparados.

En todos estos principios se encuentra el germen de la curación cuántica. Según las teorías ayurvédicas, la naturaleza razona igual que nosotros. Ésa es la clave. Si la naturaleza lo piensa todo de la misma manera, entonces ha previsto todos los remedios. Todo está ordenado porque todo es inteligencia. Los alimentos y las plantas son inteligencia. Lo que tomamos para nutrirnos, lo convertimos en nuestra propia inteligencia. Cuando conocemos la forma de traer de nuevo al orden la inteligencia, no hace falta saber nada más. La enfermedad es inteligencia interrumpida, pero podemos hacer que vuelva al orden.

El primer paso para que se produzca la curación cuántica es darle al organismo las técnicas para que encuentre la salud por sí mismo, ayudándose de esta inteligencia de la naturaleza. Las hierbas, minerales y metales que usa el médico ayurvédico "piensan" como nosotros. Para cada parte del cuerpo, la naturaleza proporciona una sustancia que la complementa.

La medicina consiste, pues, en permitir que lo similar hable a lo similar y el remedio íntegro, tal como lo aporta la naturaleza, podrá restaurar la salud gracias a su similitud con nosotros mismos El Ayurveda funciona porque corrige una distorsión en la conciencia; un movimiento erróneo vuelve al orden y el individuo encuentra el camino que le lleva al nivel de conciencia donde se encuentra la auténtica curación.
Las técnicas curativas de Chopra
Cada paciente aprende a reconocer el tipo físico o dosha al que pertenece, según los principios de la medicina ayurvédica: fuego (pitta), que controla el metabolismo; aire (vatha), que controla el movimiento; y tierra (kapha), que controla la estructura.

El pitta es de contextura mediana, emprendedor, irritable, tiene tendencia al estrés y siente aversión por el sol y el calor. El vatha es delgado, activo, aunque se cansa con facilidad, imprevisible, de apetito irregular y de sueño leve e interrumpido. Por último, el kapha goza de gran fortaleza física, resulta afectuoso y tolerante, es lento para captar nueva información, aunque la retiene luego con facilidad, su sueño es pesado y prolongado y tiende a la obesidad. Si no hay un tipo dominante, la persona posee dos doshas, es decir, que exhibe cualidades de sus dos doshas principales.

Según Chopra, para que el cuerpo y el alma se mantengan en un estado de armonía y se reinstaure, caso de producirse una enfermedad, la salud total del individuo, es necesario que exista un equilibrio constante entre los tres tipos de doshas. Para ello, en su clínica se practica la meditación diaria y se efectúan masajes con aceite de sésamo antes de proceder al baño con hierbas purificadoras. La dieta, sencilla y desintoxicante, se basa en la cocina ayurvédica, que recomienda incluir en cada comida los seis gustos fundamentales: astringente, amargo, dulce, picante, salado y ácido. Sopas, infusiones, yogur, miel, limones, lentejas, arroz y frutas se ingieren a diario en un ambiente relajado que favorece la comunicación entre los pacientes. Paseos, contacto con la naturaleza, luz solar y aire puro son los próximos pasos a seguir.

El enfermo encuentra poco a poco el bienestar y la paz perdidos. Cuando estos dones se derraman sobre el individuo se está preparado para conectar con el espacio interior en el que se produce la curación cuántica.
La intención y el deseo
Cuando una flor, un arco iris, un árbol, una hoja de hierba, un cuerpo humano se descomponen en sus partes esenciales, vemos que éstas son energía e información. Todo el universo, en su naturaleza esencial, es el movimiento de la energía y la información. La única diferencia entre nosotros y los árboles es el contenido de información y de energía de nuestros respectivos cuerpos.

En el plano material, tanto nosotros como el árbol estamos hechos de los mismos elementos reciclados: principalmente carbono, hidrógeno, oxígeno, nitrógeno y otros elementos en cantidades minúsculas. Estos elementos se podrían comprar en un laboratorio. Por tanto, la diferencia entre nosotros y el árbol no reside en el carbono, o en el hidrógeno o en el oxígeno. De hecho, nosotros y el árbol intercambiamos constantemente nuestro carbono y nuestro oxígeno. La verdadera diferencia entre los dos está en la energía y en la información.

En el orden general de la naturaleza, nosotros, los seres humanos, pertenecemos a una especie privilegiada. Tenemos un sistema nervioso capaz de tomar conciencia del contenido de energía e información de ese campo particular que da origen a nuestro cuerpo físico. Experimentamos ese campo subjetivamente en forma de pensamientos, sentimientos, emociones, deseos, recuerdos, instintos, impulsos y creencias. Este mismo campo es percibido objetivamente como el cuerpo físico –y por medio del cuerpo, percibimos ese campo como el mundo. Pero todo está hecho de lo mismo. Por eso los antiguos videntes exclamaban: "Yo soy eso, usted es eso, todo esto es eso, y eso es todo lo que existe".

Nuestro cuerpo no es independiente del cuerpo del Universo, porque al nivel de la mecánica cuántica no existen fronteras bien definidas. Somos como una onda, una ola, una fluctuación, una circunvolución, un remolino, una perturbación localizada en un campo cuántico más grande. Ese campo cuántico más grande –el Universo– es nuestro cuerpo ampliado.

El sistema nervioso humano no solamente es capaz de tomar conciencia de la información y de la energía de su propio campo cuántico, sino que, como la conciencia humana es infinitamente flexible a través de ese maravilloso sistema nervioso, podemos cambiar conscientemente el contenido de información que da origen a nuestro cuerpo físico. Podemos cambiar conscientemente el contenido de energía y de información de nuestro propio cuerpo de mecánica cuántica y, por tanto, influir en el contenido de energía y de información de nuestro cuerpo ampliado –nuestro entorno, el mundo– y hacer que sucedan cosas en él.

Este cambio consciente se logra a través de las dos cualidades inherentes a la conciencia: la atención y la intención. La atención da energía, y la intención transforma. Cualquier cosa a la cual prestemos atención, crecerá con más fuerza en nuestra vida. Cualquier cosa a la cual dejemos de prestar atención, se marchitará, se desintegrará y desaparecerá. Por otro lado, la intención estimula la transformación de la energía y de la información. La intención organiza su propia realización.
Por CARMEN MACHADO

QUIÉN ES DEEPAK CHOPRA

2010-01-31T10:29:00.000-08:00

Deepak Chopra es un médico, cuyo descontento con la medicina occidental le llevó a buscar una alternativa. Un endocrinólogo que es un antiguo jefe de personal en el New England Memorial Hospital, en Stoneham, Massachusetts, y que ha enseñado en la Universidad de Boston, Tufts y Facultades de Medicina; el Dr. Chopra fue presentado a los antiguos métodos de sanación indígena, conocida como Ayurveda, por Maharishi Mahesh Yogi, el hombre que ha hecho más que ningún otro para llevar la meditación tradicional de Occidente.

Chopra demostró ser un estudiante de apt, y se ha convertido en un experto maestro también. Él es el presidente fundador de la Asociación Americana de Medicina Ayurveda, y ha escrito y pronunciado conferencias, autor del best seller La curación cuántica, así como la creación de la Salud, El Retorno del Rishi, salud perfecta, sin condiciones de vida, y Cuerpos sin edad, mentes sin tiempo.
El Dr. Chopra ha iniciado colaboraciones con las asociaciones médicas en la Rusia, Polonia, Hungría y Brasil. Él ha hablado en las Naciones Unidas en Nueva York, la Organización Mundial de la Salud en Ginebra, la Academia Soviética de Ciencias, en Moscú, el Colegio Real de Médicos y Cirujanos en Australia, los Institutos Nacionales de la Salud en Washington, y en todo el mundo las escuelas de medicina.
Chopra ha sido instrumental en el desarrollo de la práctica de la medicina ayurvédica, que bien puede ser el sistema de vida más antigua del mundo de la curación, en los Estados Unidos. Él es el Director Médico del Instituto Sharp para el potencial humano y Mente-Cuerpo de Medicina en La Jolla, California, y conferencias y enseña en todo el mundo.

CUERPOS SIN EDAD, MENTES SIN TIEMPO: DEEPAK CHOPRA

2010-01-31T10:18:00.000-08:00

Para Deepak Chopra, el proceso de envejecimiento puede ser revertido siguiendo una serie de indicaciones y cambiando los patrones mentales tradicionales. Cuando una persona aprende a ver la vida y el tiempo como un todo, empieza a comprender el motivo de su existencia, y comienza a prestar atención a lo verdaderamente esencial e importante.

Al leer este libro usted comprenderá que las enfermedades que acompañan a las personas pueden ser reducidas significativamente, sin importar la edad que se tenga. Entenderá que no somos víctimas del envejecimiento, enfermedad o muerte - son tres factores que están presenten en el escenario, y no son parte de la persona, que es inmune al cambio. La persona es el espíritu, la expresión de la existencia eterna.

El ejercicio físico es vital para reversar la edad. También lo son la alimentación apropiada y la meditación. Igualmente Chopra explica lo importante que son los pensamientos para el envejecimiento, y cómo ellos afectan positiva o negativamente nuestros cuerpos.

Rigoletto: "Possente amor mi chiama" (Juan Diego Florez)

2010-01-29T13:50:00.001-08:00

Rigoletto. "Scorrendo uniti remota via"...

2010-01-29T13:46:00.001-08:00

Plácido Domingo "Ella mi fu rapita/Parmi veder le lagrime" - Rigoletto (1977)

2010-01-29T13:44:00.000-08:00

Povero Rigoletto....Cortigiani-Leo Nucci

2010-01-29T10:43:00.001-08:00

Sutherland & Leo Nucci in Rigoletto III (Finale)

2010-01-29T10:40:00.001-08:00

Rosa Elvira Sierra -Rigoletto-"Tutte le feste al tempio"

2010-01-29T10:34:00.001-08:00

Juan Diego Florez - La donna e mobile-Rigoletto

2010-01-29T10:29:00.001-08:00

Verdi - Rigoletto - Quel vecchio maledivami! Cornell McNeill, Justino Díaz

2010-01-28T07:57:00.000-08:00

Natalie Dessay - Verdi - "Caro nome" Rigoletto

2010-01-28T07:46:00.001-08:00

Ramon Vargas, Andrea Rost - Rigoletto- E' il sol dell' anima

2010-01-26T08:01:00.000-08:00

LEO NUCCI, DESIRÉE RANCATORE: "SÌ, VENDETTA", RIGOLETTO

2010-01-26T07:57:00.000-08:00

CUARTETO DE RIGOLETTO: NETREBKO, VARGAS, TÉZIER, GARANCA

2010-01-25T17:30:00.000-08:00

ARGUMENTO DE RIGOLETTO, GIUSSEPPI VERDI

2010-01-25T17:23:00.000-08:00

La acción se desarrolla en la ciudad de Mantua (Italia), durante el siglo XVI.

Argumento

Acto I

Cuadro 1. Se alza el telón y la escena se sitúa en un salón, en el palacio del duque de Mantua. El duque ha dado una fiesta y mientras se vanagloria de su nueva aventura de conquista hacia una desconocida joven del pueblo, apuesta miradas a la condesa Ceprano, a la vista de su marido. Marullo comunica a los cortesanos que el bufón Rigoletto oculta a una amante y como casi toda la corte ha sido víctima de las burlas de Rigoletto, todos quieren devolverle las ignominias. Monterone es otro a quien el Duque ha insultado a través de la deshonra a su hija y quien entra en escena reclamando venganza. El Duque manda a arrestarlo. Monterone es arrestado mientras proclama la famosa maledizione que traerá la perdición a Rigoletto.

Cuadro 2. Callejón sin salida y casa de Rigoletto con jardín; al otro lado de la calle el palacio del conde Ceprano. Rigoletto vuelve a casa preocupado por la maldición. Se le acerca un extraño, Sparafucile, un asesino profesional que ofrece sus servicios a Rigoletto. Entra en la casa y allí encuentra a Gilda, su hija (a quien los cortesanos habían tomado como su amante). Gilda vive escondida y resguardada por su padre. El duetto Figlia!, Mio padre! muestra la relación entre ambos: Rigoletto es un padre cariñoso y temeroso de perder a su hija; Gilda es una niña ansiosa de conocimiento, aunque respeta mucho a su padre. Rigoletto insiste en que Gilda no salga más que a misa y que la acompañe su doncella, Giovanna.

El duque aparece en acto y escondido se entera de que Gilda es en realidad la hija de Rigoletto y tras sobornar a Giovanna logra entrar en el jardín de la casa de Rigoletto y le declara su amor. El duque miente a Gilda sobre su identidad diciendo que es un estudiante y que su nombre es Gualtier Maldé. Afuera se oyen las voces de Ceprano y Borsa que planean el rapto de la supuesta amante de Rigoletto. El duque se marcha y Gilda se queda sola repitiendo el nombre de su enamorado, el Caro nome.

En la oscuridad de la noche los cortesanos se encuentran con Rigoletto a quien invitan a preparar el rapto de la esposa de Ceprano. Están todos enmascarados y Rigoletto ayuda, sin percatarse que está ayudando a raptar a su propia hija Gilda. Cuando Rigoletto se da cuenta ya es demasiado tarde. Lleno de angustia recuerda y proclama Ah, la maledizione!

Acto II

La escena es en un salón del palacio del duque. El duque canta su desesperación Parmi vedar le lacrime al volver a casa de Gilda y no encontrarla. Entran los cortesanos y ofrecen al duque la supuesta amante de Rigoletto. El duque se da cuenta de que se trata de Gilda y va en su busca. Entra en escena Rigoletto pidiendo de vuelta a su hija, los cortesanos la niegan y el bufón encolerizado y desesperado dirige su Cortigiani, vil razza. Entra en escena Gilda, que descubre a su padre lo que le viene pasando desde hace algún tiempo: que se ha enamorado de un joven a quien veía todos los domingos en la iglesia, que la ha cortejado diciéndole que era un pobre estudiante, y que al ser raptada ha descubierto que en realidad se trataba del duque. Rigoletto planea vengarse del duque, mientras su hija pide que le perdone.

Acto III

A orillas de un río, casa de Sparafucile. Es de noche. Rigoletto ha encargado a Sparafucile asesinar al duque, pero antes debe desengañar a Gilda mostrando su comportamiento licensioso. Es cuando el duque canta la famosa aria que hace conocida a la obra, La donna è mobile. Entra en escena Maddalena, hermana y cómplice de Sparafucile, quien coquetea con el duque y éste sucumbe a sus encantos fácilmente. Rigoletto ordena a Gilda que se vaya a casa, coja dinero y vestida de hombre huya hacia Verona. El asesino y el bufón deciden que tras su muerte, el cuerpo del duque será puesto en un saco y arrojado al río.

Se desencadena una tormenta y el duque decide pasar la noche en la posada. Maddalena ha gustado del duque y trata de convencer a su hermano de que no lo asesine, sino al bufón. Sparafucile no puede asesinar a un cliente, amén de mostrar su preocupación por los diez escudos que aún le debe Rigoletto por terminar con el encargo, pero promete cambiarlo por el primer hombre que se presente en la taberna, si esto ocurre antes de la medianoche. Gilda ha desobedecido las órdenes de su padre y vuelve a la posada vestida de hombre. Ha escuchado toda la conversación de los hermanos, y conmovida por la pasión de Maddalena, decide sacrificarse para salvar al hombre del que se ha enamorado. Entra en la taberna pidiendo asilo, haciéndose pasar por un mendigo. De inmediato, Sparafucile la alcanza con su mortífero puñal.

Acaba la tormenta y Rigoletto entra en escena. Sparafucile le entrega el saco con el supuesto cuerpo del duque. Cuando se dispone a arrojarlo al río oye la voz del duque desde el interior de la posada. Horrorizado, abre el saco y ve a su hija agonizante aún. Gilda y su padre se arrepienten de lo ocurrido y se piden mutuamente perdón. La escena termina con el lamento desgarrador de Rigoletto en que recuerda la maledizione de Monterone.

Fuente: Wikipedia

ELOGIO DE LA MADRASTRA: MARIO VARGAS LLOSA

2010-01-25T12:07:00.000-08:00

Con la sabiduría del meticuloso observador que es y gracias a la seductora ceremonia del bien contar, Vargas Llosa nos induce sin paliativos a dejarnos prender en la red sutil de perversidad que, poco a poco, va enredando y ensombreciendo las extraordinarias armonía y felicidad que unen en la plena satisfacción de sus deseos a la sensual doña Lucrecia, la madrastra, a don Rigoberto, el padre, solitario practicante de rituales higiénicos y fantaseador amante de su amada esposa, y al inquietante Fonchito, el hijo, cuya angelical presencia y anhelante mirada parecen corromperlo todo. La reflexión múltiple sobre la felicidad, sus oscuras motivaciones y los paradójicos entresijos del poder putrefactor de la inocencia, que subyace en cada una de sus páginas, sostiene una narración que cumple con las exigencias del género sin por ello deslucir la rica filigrana poética de la escritura.

ENTRE LA PIEDRA Y LA CRUZ: MARIO MONTEFORTE TOLEDO

2010-01-23T06:48:00.000-08:00

La novela “Entre la piedra y la cruz” (1948) de Mario Monteforte Toledo traza la vida de Pedro Matzar desde su nacimiento hasta su “emancipación”, pasando por las ilusiones de juventud y el desengaño de la adultez. El tono descriptivo y el desarrollo teleológico de la estructura parecieran acercarse a la escuela social realista, que fundamentó el indigenismo latinoamericano de a mediados de siglo (el indigenismo entendido como el esfuerzo institucional para “incorporar” al indígena al mundo occidental).

De hecho, la novela “Entre la piedra y la cruz” sirve para ilustrar un supuesto caso de asimilación de un indígena a la modernidad, realizado obviamente desde la visión hegemónica. Acaso por lo anterior, algunos críticos la han encontrado no sólo como una gran novela guatemalteca sino como un momento cumbre en la actividad cultural del gobierno revolucionario, cuya política étnica era el indigenismo (es decir, la asimilación). En términos postcoloniales se puede afirmar que se trata de una ficción que devela un anhelo criollo y, en términos prácticos, que describe una situación humana que sucede, nos guste o no, con frecuencia.

El desarrollo del conflicto en “Entre la piedra y la cruz” es algo esquemático: Cutuc, indígena adinerado, abusa de Matzar, indígena pobre; don José Escobar, el latifundista criollo y tradicional, es mejor que don Hermán, el latifundista alemán-eurocentrista; Teófilo Castellanos, el ladino comerciante de la ciudad es bueno mientras que Tacho Zeledón, el ladino comerciante en el área rural se aprovecha de los campesinos y demás, pero dicha dicotomía no deja de ser funcional y tener algo de verdad.

El enfoque de la novela procura el humanismo [“¿Por qué comprender hasta entonces que los hombres sólo se dividen en buenos y malos, de todos los climas, de todas las razas?” (p. 220)], pero realmente logra el criollismo, entendido desde Martínez Peláez, al ejemplificar el conflicto que implica la ladinización o aculturación para un indígena (un proceso visto desde afuera; es decir, aunque el paisaje sea diverso, la focalización continúa desde la visión hegemónica).

Por lo tanto, el protagonista no es un personaje idealizado que añore una utopía arcaica sino un actante situado plenamente en un contexto social y una realidad política específica, limitada y brutal. A diferencia de las obras de Miguel Ángel Asturias del mismo período, esta novela se inclina más hacia el registro documental que hacia la recreación poética (o sublimación romántica) de la sociedad guatemalteca.

Pedro Matzar se desplaza entre las contradicciones inherentes a la cultura indígena y la ladina, la rural y la urbana, la búsqueda de superación personal contra las expectativas del núcleo familiar, buscando un nuevo territorio semántico. La descripción de la discriminación en el campo, en el centro educativo, el giro de una institución del estado a otra que realiza Pedro Matzar cerca del fin de la novela no es edificante pero sí es sumamente ilustrativo de la motivaciones íntimas del conflicto interno que desgarraría al país en los años posteriores a la publicación de esta novela.

La epifanía hegeliana que suscita el desenlace pretende la redención del personaje, en tanto dicha acción colectiva suponía una redención de la nación. En tal sentido, la obra se asemeja a lo que hacían varios de sus contemporáneos (notablemente la serie social del brasileño Jorge Amado) y hasta se podría decir que precede a buena parte de las novelas del “Boom” cuya estructuración repetía ingenuamente este desenlace idealizado, con el cual se pretendía subsanar o superar las graves contradicciones, fisuras o abismos sociales y/o individuales esbozados a lo largo de la trama.

A pesar de su destacado criollismo, las agudas observaciones sociológicas de Monteforte logran pasajes conmovedores y memorables. La sección “Casas”, que abarca del capítulo XVII al XXII, me pareció la mejor lograda.

Comentario de: Ronald Flores

SECRETOS DE CONVENTO, POR MILDRED BOLAÑOS KEMPLIN

2010-01-22T19:05:00.000-08:00

Novela que narra la historia de seres que amaron y a veces perdieron, aunque comprendieron que al perder también se gana: de su aceptación o su rebeldía a las normas eclesiásticas y del Estado y el precio que tuvieron que pagar por sus decisiones.

La trama se enmarca en la Capitanía General de Santiago de los Caballeros de Goathemala, en la época colonial del Siglo XVII, por lo que está inmersa en las costumbres, creencias y anécdotas de la cultura española, maya, africana, de otros grupos de origen mesoamericano y su mestizaje.
Al final de cada capítulo se presentan las reflexiones de Doña Xaviera y de Doña Manuela. Estas introspecciones tienen vigencia en la actualidad y constituyen una oportunidad para que hombres y mujeres mediten acerca de sus relaciones amorosas: se incluyen poemas para quienes disfrutan la poesía.

La obra nos muestra que el ser humano durante toda su historia no ha cambiado, tal vez sólo se ha adecuado algunas veces a las reglas sociales, pero en esencia sigue siendo el mismo.

ERNESTO SÁBATO: LA RESISTENCIA

2010-01-21T10:10:00.000-08:00

El ensayo de Sabato podría ser descrito como un claro retrato de la sociedad y el mundo actual. Este retrato de la sociedad actual, parte basándose en hechos más concretos o simples, luego va profundizando y compartiendo con el lector sus experiencias personales y anécdotas.

La visión de Sabato es tan real que parece demasiado “fatalista”, pero a través de ésta, trata de enviar en mensaje que nos haga ver y tomar conciencia de diversos temas personales y sociales, como el individualismo, la pobreza existencial, la incomunicación, el culto a si mismo, el trabajo deshumanizado, el imperio de la máquina sobre el ser, el sometimiento y la masificación social. Estos temas están planteados en su mayoría, bajo una visión existencialista característica de Sábato.

MEMORIAS DE UNA JOVEN FORMAL: SIMONE DE BEAUVOIR

2010-01-21T09:39:00.000-08:00

Simone que ganó el prestigioso premio Goncourt en 1946, escribió “Memorias de una joven formal“ en 1958 cuando en su haber tenía ya varios ensayos, novelas y teatro. Para cuando las escribe estaban sin duda dislucidadas sus inquietudes de niña y absorbidas las conjeturas de la adolescencia, la mujer joven y emotiva ha dado paso a la adulta en cuya percepción de la vida el tiempo ha diluido las ansias juveniles, el despertar al amor.

De niña a mujer descubre la sexualidad y observa la influencia del ambiente en el caso de la guerra, que cambian su percepción del mundo. Una joven “formal” en una sociedad de tabúes sexuales que encuentra por ella misma el camino que decide tomar en su vida y asume la responsabilidad de ser quien quiere ser y vivir con las consecuencias de ello.

Pensar que Beauvoir es solo para feministas es como pensar que Dumas y sus historias de valientes mosqueteros fueran solo para hombres. Y es que Beauvoir es disfrutable por cualquiera o al menos a quien guste de un buen libro nada trivial pero sin grandes confusiones sobre la percepción de la vida desde el punto de vista femenino en un encantador viaje por aquellas inquietudes y experiencias que en su momento todo mundo habra tenido.

Angela Gheorghiu - La Traviata - Di sprezzo degno

2010-01-19T18:36:00.001-08:00

Renee Fleming, Dimitri Hvorostovsky - Or imponete... Morro! La Traviata

2010-01-19T18:31:00.001-08:00

LA TRAVIATA - Acto 2 - Avrem lieta...Zingarelle...Matadori

2010-01-19T18:24:00.000-08:00

Verdi.La Traviata.Di Sprezzo Degno...Alfredo,di Questo (ROLANDO VALDIZÓN)

2010-01-19T18:20:00.000-08:00

"PURA SICCOME UN ANGELO": HAMPSON, NETREBKO, LA TRAVIATA

2010-01-19T18:17:00.001-08:00

SIR GEORGE SOLTI (CONDUCTOR) PRELUDIO, ACTO I, LA TRAVIATA

2010-01-19T18:16:00.001-08:00

"SI RIDESTA IN CIEL" TRAVIATA

2010-01-19T18:11:00.001-08:00

"LUNGE DA LEI" LA TRAVIATA: ALFREDO KRAUS

2010-01-19T08:14:00.001-08:00

Maria Callas at her best,sings "Violetta Aria" La Traviata

2010-01-19T08:07:00.000-08:00

MARIA CALLAS Y ALFREDO KRAUS: LA TRAVIATA

2010-01-19T08:02:00.000-08:00

ANNA NETREBKO: "ADDIO DEL PASATO" LA TRAVIATA

2010-01-19T07:53:00.001-08:00

Angela Gheorghiu - La Traviata - Prendi; quest' è l'immagine

2010-01-17T12:04:00.001-08:00

"AMAMI ALFREDO" GEORGHIU, LOPARDO

2010-01-17T12:02:00.001-08:00

NETREBKO Y VILLAZÓN. BRINDIS DE LA TRAVIATA

2010-01-17T12:01:00.000-08:00

ARGUMENTO LA TRAVIATA (VERDI)

2010-01-17T11:58:00.000-08:00

LA TRAVIATA de Giuseppe Verdi

El texto, de Francesco Maria Piave, está basado en la novela de Alexandre Dumas (hijo) La dama de las camelias. Fue estrenada en el teatro La Fenice de Venecia en 1853. Su estreno fue un fracaso; sin embargo, la representación que se realizó un año después tuvo mucho éxito, adquiriendo así la ópera la popularidad de que goza hoy día

Acto I

La ópera se inicia con un breve pero brillante preludio que empieza a generar una buena predisposición por parte del oyente (o del espectador si está en el teatro) de cara a disfrutar de una ópera romántica que pone al espectador en un mundo de pasión, renuncia al amor, ira y, finalmente, reconciliación en un momento trágico. La ópera, basada en "La dama de las camelias" de Alejandro Dumas, comienza con una fiesta de alta sociedad en casa de Violetta a la que asisten los amigos de ésta entre los que figura Gastón, el Barón Douphol, el marqués o Flora. Gastón presenta de forma halagadora a Alfredo Germont ante Violetta que queda prendada ante aquel joven. Ya sentados en el banquete, empiezan a dialogar sobre el interés que sintió Alfredo por Violetta cuando llega el primer gran momento de la ópera y que le ha dado popularidad en el mundo como es el célebre brindis (Libiamo!) que entona Alfredo y que sigue Violetta posteriormente. Una vez acabado el banquete, se van los invitados a otra sala para bailar y quedan ellos solos conversando ya que Alfredo se siente preocupado por la salud de ella (entre la enfermedad que se menciona al inicio de la ópera y el mareo que le ha obligado a quedarse) y ella siente que el interés de Alfredo por ella es sincero, demasiado sincero para su gusto ya que teme que tras ese interés haya un amor al que ella no quiera responder. A la pregunta de ella ("Da molto è che mi amate?") él da rienda a ese gran "Un dì, felice, eterea" seguido de "Di quell'amore ch'è palpito" que se convierte en el leit-motiv en este acto cuando Alfredo le revela su amor, que ella no quiere ya que "ella no sabe amar" y le conmina a ser amigos pero nunca amantes. Alfredo parte con el resto de los invitados, no sin conseguir antes que pueda volver a verla. Sola en su casa, se queda pensativa ante esas palabras que, unos momentos antes, le había revelado Alfredo y que le hacen plantearse por unos momentos aceptar ese amor que le propone. En pleno delirio emocional se niega ese amor para volver a ser ella misma, la Violetta que sólo quiere gozar en la senda del placer ("Sempre libera deggio!") mientras, a lo lejos, se oye a Alfredo con ese "amor è palpito" .

Acto II

Escena 1.

Ha pasado el tiempo y ambos ya viven juntos en una casita cerca de París. Alfredo revela en su célebre "Lunge da lei" y su posterior "De miei bollenti spiriti" que Violetta ha renunciado por su amor a los lujos, fiestas,etc y que se siente "como en el cielo" estando con ella pero, de repente, Annina le desvela que vuelve de París con el fin de vender los bienes de Violetta para seguir viviendo juntos a lo que él se niega y marcha para París, no sin antes sentirse ultrajado (0 mio rimorso!). Llega ahora uno de los momentos más importantes en la trama de la historia de esta ópera: el encuentro de Violetta y el padre de Alfredo, Giorgio Germont. El diálogo entre los dos va in crescendo en el argumento y en la música que Verdi compuso para este fragmento. Giorgio le pide un sacrificio para que abandone a Alfredo por el bien de su familia a lo que, en principio ella niega ( A no!Giammai!...Non sapete che colpita d'atro morbo è la mia vita- Ignoráis que mi vida está herida de una enfermedad fatal- ya se alude al final de Violetta) para luego aceptar el sacrificio a cambio de que, con el tiempo, él le confíe el secreto a Alfredo del tremendo sacrificio hecho por ella.

Con la marcha del padre de Alfredo, Violetta se decide a escribir para despedirse de Alfredo cuando éste llega de París. En este punto se vive un encuentro lleno de emoción que sugeriría escuchase con gran detenimiento el oyente. Ese Amami Alfredo! es de una pasión diferente a la que se puede vivir en otras óperas, ese sentimiento de Violetta que sabe que ese debe ser el final, como las lágrimas asoman en las mejillas de Violetta. De aquí al final del acto, se aceleran las situaciones. Giorgio habla con Alfredo ("Di Provenza il mar, il suolo" con el fin de convencerlo para volver a su tierra natal con sus familiares), Alfredo se indigna por esa separación sin motivo de Violetta y parte hacia París para vengarse de ella, desconociendo ese sacrificio que sí conocía el padre.

Escena 2.

En la fiesta organizada por Flora, la tensión va en aumento desde que aparece Alfredo, cuando nadie esperaba su presencia, y dada la rivalidad existente entre éste y el Barón Douphol. Violetta, que estaba también en la fiesta, pide a Alfredo que se marche pues le amenaza un gran peligro. Alfredo se niega y le dice que marchará siempre y cuando ella le siga. Ella es, ahora, la que dice que no puede, que hizo un juramento. Violetta se ve obligada a mentirle y afirmar su amor por el barón. La reacción de Alfredo es cruel, llama a todos los invitados y, delante de ellos, le tira una bolsa de dinero a los pies de ella para que todos sean testigos de que ha pagado la deuda ("Ogni suo aver tal femmina per amor mio sperdea"- Todos sus bienes esta mujer ha derrochado por mi amor...y yo los aceptaba). En ese momento aparece Giorgio Germont y le recrimina la acción despiadada a lo que Alfredo se derrumba. El gran final es digno de escuchar con detenimiento en cada uno de los matices que se reflejan: el remordimiento de Alfredo, la pena de Violetta porque sabe que él desconoce los verdaderos motivos de su sacrificio, la ira del barón, etc.

Acto III

Después de un breve y triste preludio se observa la triste soledad de una pobre mujer enferma que está antes sus últimas hora de vida. Relee la carta que le mandó Giorgio en el que le relata que le contó el sacrificio a Alfredo y que él "volverá para imploraros perdón". El aria "Addio del passato bei sogni ridenti" es el mejor reflejo de lo que escribí en el inicio de este párrafo, aquel que la oiga por primera vez no quedará decepcionado.

Aninna le revela la llegada de "una alegría insospechada"...sí, Alfredo llega ante ella y tras unos diálogos rápidos se inicia un dúo ("Parigi, o cara, noi lasceremo") cargado de inusual optimismo que finaliza con otro más cargado de penar (Alfredo empieza a sospechar que el estado de salud de ella está mal) en el que Violetta ya empieza a "despedirse "("Morir si giovane") mientras que él le pide que "no cierre su corazón a la esperanza". Llega el padre y Alfredo le hace ver el mal que ha hecho y que observe el fin de Violetta. Violetta le entrega un pequeño medallón a Alfredo para que lo conserve como recuerdo de amor y le pide que, de enamorarse otra vez, le entregue el medallón a esa "púdica doncella en la flor de sus años" y le diga que es un "don de quién en el cielo, entre los ángeles, ruega por ella, por ti" mientras que Alfredo no puede aceptar el fin de ella... "que viva o un solo féretro me acogerá contigo". Parece que resurge pero no, Violetta muere entre los brazos de Alfredo mientras que el doctor confirma el fatal desenlace.

TRILOGÍA ROMÁNTICA DE VERDI: TRAVIATA, RIGOLETTO, IL TROVATORE

2010-01-17T09:47:00.000-08:00

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (La Roncole, 10 de octubre de 1813 – Milán, 27 de enero de 1901), compositor romántico italiano de ópera del siglo XIX. Es autor de algunos de los títulos más populares del repertorio actual, como los que componen su trilogía popular o romántica: Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore.

Ernesto Morillo "SCENA DELLA CHIESA" de FAUST by GOUNOD - 2008

2010-01-16T18:05:00.001-08:00

Michael Bohnen: Vous qui faites l'endormie from Faust (Gounod)

2010-01-16T17:58:00.001-08:00